이 말 한마디로 요약할 수 있는 영화, '위플래쉬(Whiplash)'를 봤습니다. 압권입니다. 특히 마지막 15분 가량, 대사는 열 마디도 되지 않는 가운데 펼쳐지는 치열한 대결과 반전, 이런 영화는, 특히 이런 피날레는 어떤 영화에서도 일찌기 본 적이 없습니다. 근 몇년간 본 영화 중 가장 강추하고 싶은 작품.
감독 데미안 차젤(Damien Chazelle, forvo.com에 따르면 샤젤도, 차젤레도 아닙니다)은 18분짜리 단편으로 이 영화의 하이라이트를 만들어 본 뒤, 그 성과를 토대로 투자를 받아 이 본편 영화를 만들 수 있었다고 합니다. 이 역시 인간승리.
그런데 의외로 이 영화에 반감을 갖는 분들도 적지 않더군요. 물론 어떤 부분이 거부감을 낳는지도 충분히 이해할 만 합니다.
드럼에 재능 있는 학생 앤드루(마일스 텔러)는 미국 최고의 음악학교인 샤프너 스쿨(가상의 학교입니다)에 입학해 꿈을 키워나갑니다. 여느 때처럼 밤 늦게 연습하던 어느날, 학교 최고의 실력자인 플레처 교수(J.K. 시먼스)로부터 지목을 받고, 학교의 엘리트들이 속해 있는 스튜디오 밴드의 연습에 나가게 됩니다. 그날부터 앤드루의 지옥 문이 열립니다.
플레처의 광기는 영화 전편을 통해 관객을 장악합니다. 어린아이를 보거나, 마음에 드는 순간에는 만면에 미소를 머금고 따뜻한 말로 간을 빼줄 듯 얘기하지만, 일순간 조금이라도 자신의 마음에 들지 않는 연주를 접하게 되면 조상 삼대를 들먹이는 욕설과 함께 폭행도 서슴지 않습니다. 한마디로 '미친 선생'이죠. 그에겐 레귤러와 후보의 구분도 없습니다. 어제 아무리 잘 했어도 오늘 실수하면 당장 연습장 밖으로 악기를 싸 들고 나가야 하는 것이 그의 규칙입니다.
한국도 아닌 미국에서 이런 식의 훈육 방식이 가능하다는 게 놀라울 수도 있는데, 영화에 명시되어 있지는 않지만 그 전제는 플레처의 실력입니다. 일반인은 물론 드러머들의 귀로도 구별하기 힘든 미세한 박자 차이를 고집하고, 30여명의 밴드 가운데 누가 틀린 음을 냈는지 귀신같이 짚어 내는 능력. 그리고 그가 지도한 밴드의 수상 경력과 그가 키워낸 제자들의 활동상이 이미 그의 실력을 검증해 내고 있기 때문에 이런 식의 폭거가 가능하다고 보는 것이죠.
이런 내용이다 보니 영화의 제목이자 메인 테마인 곡의 제목이 whiplash, 곧 '채찍질' 인게 당연한 일.
이 영화에 대한 반감의 포인트도 여기 있습니다. 많은 분들이 이 영화의 시퀀스들을 '교육 현장'에 대입하고 싶어 합니다. 실제로 영화 중간에 플레처의 훈육을 받았던 학생과 학부모에 의한 문제 제기가 중요한 장면으로 등장하기도 하죠. 하지만 분명히, 이 영화의 내용을 교육 전반에 대한 우화로 해석하는 것은 문제가 있습니다. 그건 이 영화가 말하고자 하는 것은 상위 0.01%, 아니, 상위 0.0001%에 속하는 초 엘리트들의 도전에 대한 이야기이기 때문입니다.
일반적인 학교 교육이란 '과정 이수'와 '졸업 자격'에 초점이 맞춰지기 마련입니다. 즉 '이 수준의 학교에서 60점 이상으로 과정을 마치면 어느 정도의 수준 이상임을 인정할 수 있다' 정도가 학교 조직의 목표인 셈이죠. 하지만 이 경우, 고도의 능력을 갖춘 슈퍼 엘리트의 육성을 기대하는 것은 큰 무리입니다. 이른바 일반 교육과 영재 교육을 분리해야 하는 이유이기도 합니다.
그리고 꽤 많은 사람들이 '누군가 나를 극한까지 혹독하게 몰아쳐서 내 안의 잠재력을 일깨워 줄 수 있었으면'에 대한 욕구를 갖고 있습니다. 그리 놀라운 일은 아닙니다. 물론 태어나서 단 한번도 이런 욕구를 느껴보지 못한 사람도 있겠지만, 이런 욕구는 의외로 자신이 어떤 분야에서 정상을 노릴 만 한 능력을 갖추고 있다고 스스로 생각하는 사람에게서 자주 발견할 수 있습니다. 어쩌면 서구인들보다는 한국인들의 내면에 이런 정서가 더 잘 받아들여지는 듯 하다는 생각도 듭니다.
이현세의 '공포의 외인구단'이 그랬고, 만화도 영화도 아닌 김성근 감독의 신화에 많은 사람들이 찬사와 존경을 보내고 있는 것 역시 이런 정서와 크게 다르지 않습니다. 영화 속에서 플레처가 계속 예로 드는 찰리 파커와 조 존스의 전설도 '누군가를 끝까지 쥐어짜 죽을 힘까지 다 발휘하게 하지 않으면 천재성은 쉽게 발현되지 않는다'는 굳은 믿음을 뒷받침합니다. 일본 만화에서 주인공이 한번 '각성'에 이르기 위해선 온갖 시련을 죄다 극복해야 하는 것처럼.
물론 아무리 쥐어 짜도 그 방면으로 별 특출한 재능이 보이지 않는 학생을 누군가의 욕심에 의해(이 '누군가'는 부모, 교사, 가족, 친지, 심지어 그 자신일 수도 있습니다) 미친듯이 쥐어 짜 봐야 그 결과가 해피엔딩일 가능성은 별로 없다는 것 역시 자명합니다. 다만 그 누군가가 그 자신이라면 - 즉 자기를 남들의 눈으로 볼 때에는 미친 짓으로 보이는 고된 수련의 길로 뛰어들게 하는 것이 그 자신이라면, 그리 길지 않은 인생에서 그만치 자신을 쏟아 부을만 한 목표를 갖는 것 또한 행복한 일이라 할 수 있겠습니다. 그 과정에서 주위 사람 누군가에 의해 자신의 재능이 보잘것 없는 것이고, 그 부문에서 큰 성취를 기대할 수 없음을 깨닫게 되는 것도 그리 나쁜 일은 아니겠지만 말입니다.
거기에 비하면 영화 '위플래쉬'의 플레처와 앤드루는 둘 다 행복한 편입니다. 비슷하게 미쳐 있으니 말이죠. 이 둘은 대립하는 관계가 아닙니다. 원하는 바가 같고, 원하는 바를 위해 가려고 하는 길도 같습니다. 앤드루 역시 기회가 온다면 언젠가 또 다른 플레처가 될 사람이라는 것이 너무도 자명합니다. 하지만 이 영화는 어쨌든, 앤드루나 플레처 같은 사람을 '정당하다고' 옹호하는 작품은 절대 아닙니다.
아무튼 아닌 경우도 있겠으나, 대개의 경우 한 시대를 이끌어가는 천재를 낳게 하는 것은 가혹한 훈련과 경쟁의 결과라는 것은 매우 분명한 사실입니다. 그리고 이런 사실에 동의하든 동의하지 않든, '위플래쉬'의 영화적 성취는 탁월합니다. 영화 전편에 나오는 드럼을 모두 직접 연주했다는 마일스 텔러의 노력에도 경의를 표하지 않을 수 없습니다.
결론은: 꼭 보세요.
P.S.1. 이 영화와 더불어, '세상은 꼭 1등만을 위한 것은 아니야. 평범한 재능의 사람들에게도 이 세상은 충분히 살아갈 만한 가치가 있는 곳이야'라는 따뜻한 메시지를 담은 영화도 충분히 의미가 있다고 생각합니다. 그 두개의 가치가 공존할 수 없다고 생각하는게 오히려 문제죠.
P.S.2. 영화의 결말은 제 생각엔 해피엔딩인 것 같습니다만, 그와 다른 생각을 가진 분들도 많은 듯. 글 저 아래에 데미언 차젤 감독이 생각하는 '영화가 끝난 뒤 두 사람의 삶'에 대한 이야기를 붙여 놨습니다만, 개인적으로는 설사 그렇게 된다 해도 괜찮지 않을까 합니다.^^
P.S.3. 영화에 나오는 대부분의 곡들은 이미 존재하는 명곡들입니다. 듀크 엘링턴의 '캐러밴'. 그 유명한 조 존스의 드럼 솔로입니다. 어떤 사람이었는지 한번 보시죠.
그리고 행크 레비의 '위플래쉬'. 역시 전설적인 섹소폰 연주자 돈 엘리스의 1973년 오리지널 녹음입니다.
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그리고 마지막으로 한마디. 데미언 차젤 감독은 이 영화의 엔딩에 대해 이런 말을 했습니다. 일부러 번역은 하지 않았습니다. 스포일러가 될 가능성이 있기 때문에(사실 아니기도 하지만), 웬만하면 영화를 본 뒤에 읽어봐 주세요.
어느 정부를 위해서도 일하지 않는 비밀 정보 기관 [킹스맨]의 멤버 갤러해드(본명은 해리, 콜린 퍼스)는 임무 수행중 죽은 동료의 아들에게 메달을 줍니다. 세월이 흘러 17년 뒤, 그 소년 엑시(타론 에저튼)는 곡절 끝에 킹스맨의 멤버가 되기 위한 테스트에 응합니다. 그 사이 스티브 잡스를 연상시키는 세계적인 IT기업가 발렌타인(새뮤얼 잭슨)은 지구에 붙어 사는 바이러스적 존재인 인간이 지구를 망가뜨리는 것을 막기 위해 음모를 꾸밉니다. 그리고 그 음모는 엄청나게 위험한 계획이란 사실이 서서히 모습을 드러냅니다.
물론 [킹스맨]을 즐기기 위해 사전에 많은 것을 알 필요는 없습니다. 이야기 구조는 어떤 다른 영화와 비교해도 밀리지 않을 만큼 선명하고 단순합니다. 사실 기본 설정부터 말이 안 됩니다. '유명 양복점들과 연관된 재력가들이 뭉쳐 전 세계 어떤 정부, 어떤 권력과도 관련이 없는 정의 수호를 위한 국제 정보기관을 만들었다'라뇨. 이게 무슨 개 풀 뜯어먹는 소리랍니까. 그럼에도 불구하고 그 괴팍한 설정과 막나가는 진행은 관객들을 사로잡기에 충분합니다.
'킹스맨'의 첫번째 포인트는 당연히 '스파이는 영국산'이라는 교훈의 부활입니다. 물론 너무 늦게 태어난 까닭에 이미 스파이 세계가 이선 헌트와 제이슨 본이 지배하던 세계였던 분들, 그리고 007 시리즈가 다니엘 크레이그라는 극약 처방으로 본래의 색채를 잃은 시대에 영화를 보기 시작한 분들에겐 참 죄송하기 짝이 없는 얘기입니다.
이런 분들에게 과거 션 코너리와 로저 무어가 제임스 본드로 활약하던 시대를 얘기하는 것은 참 무의미한 경우가 많고, 그보다 더 마이너한 TV 시리즈들인 '어벤저(The Avengers)'나 '전격대작전(The Persuaders)', '세인트(The Saint)' 등을 얘기하면 이 뭔 선사시대 이야기인가 하는 분들이 많기 때문입니다. 하지만 1960년대에서 80년대에 이르는 이런 '수트를 폼나게 갖춰 입은 영국제 스파이'의 문화를 경험해 보지 못한 분들에게는 도저히 이해할 수 없는 정서가 지금도 이어지고 있습니다. 개인적으로 '킹스맨'이 가장 반가운 이유가 여기 있습니다.
('전격 제로작전'이라는 제목으로 국내에서 방송된 'New Avengers'의 패트릭 맥니. 존 스티드라는 빛나는 '영국 스파이' 캐릭터로 20여년에 걸쳐 큰 인기를 모았습니다.)
(그리고 007 이전, 카리스마 넘치는 '세인트'로 인기 스타의 자리를 굳힌 로저 무어.)
그 전통의 종가라고 할 수 있는 제임스 본드는 불행히도 그 맥을 스스로 잘라 버렸습니다. 바로 2006년작 '카지노 로얄'에서 시작된 다니엘 크레이그의 새로운 007 시리즈가 시작되면서 그 본질적인 정취가 사라져 버렸죠. 일부 본드 마니아 중에는 다니엘 크레이그의 거칠고 냉혹한 이미지가 원작자 이언 플레밍이 창조한 초기 본드의 모습과 어울린다며 옹호하는 사람들도 있었지만, 이런 주장을 펴는 분들은 플레밍이 왜 '근육질의 액션 스타형 젊은이' 션 코너리를 캐스팅 한 데 실망감을 표하고 "내가 원했던 본드는 데이빗 니븐"이라고 말했는지를 간과하고 있습니다.
플레밍은 이미 이 시절에 '영국산 스파이'의 본질이 어떤 난관에 부딪혀도 유머 감각을 잃지 않고 낙관적인 태도로 극복해 나가는, 여유 있는 신사의 이미지에 있다는 것을 지적하고 있었던 것입니다. 물론 그의 예상과는 달리 션 코너리는 역사에 남을 영국산 스파이의 전형을 멋지게 연기해 냈고, 그 연기를 본 플레밍이 "내가 그를 과소평가했다"며 만족을 표시하기도 했습니다.
어쨌든 007 시리즈 제작진은 피어스 브로스넌 체제의 제임스 본드 영화들이 전성기만큼 전 세계 관객들에게 큰 매력을 발휘하지 못한다는 판단하에 시리즈의 색채를 짝퉁 제이슨 본 시리즈로 만들어 놓은 뒤 흥행 면에서는 대박을 터뜨렸지만, '정통 영국산 스파이'의 정취는 영영 사라지는 듯 했습니다. 바로 이 대목에서 영국 귀족의 후예로 태어날 때에는 드 비어 드루먼드 라는 거창한 이름이었던 매튜 본이 칼을 뽑고 나선 것입니다. ('드 비어'라는 이름은 '킹스맨'에도 등장하죠. 갤러해드가 발렌타인에게 접근했을 때 쓰는 가명입니다.)
누가 보더라도 '킹스맨'이 겨냥하고 있는 것은 다니엘 크레이그 체제의 007을 비롯해 일단 뛰고 달리고 아크로바트 액션을 펼치지 않으면 살아남을 수 없는 것처럼 되어 버린 21세기 초반의 스파이 영화 시장입니다. 과연 관객이 원하는 것이 그렇게 천편일률적인 스파이 영화 뿐만이겠느냐는 냉소가 담겨 있죠. 물론 '오스틴 파워'나 '자니 잉글리시'도 방향만 보자면 비슷한 노선을 택했다고 할 수 있겠지만, 이들 영화들이 갖추지 못한 미덕을 '킹스맨'은 전면에 내세우고 있었습니다. 이른바 '수트 포르노'라고 불리는 진정한 '수트 입은, 섹시한 영국 스파이' 를 보여줄 수 있었다는 점입니다.
('발몽'의 꽃미남 시절 콜린 퍼스. 누군가 '킹스맨'을 보고 "왜 콜린 퍼스는 제임스 본드 후보에 오르지 않은 거지?"라는 질문을 던졌습니다. 뭐 오르지 않았을 리야 없지만 사실 경쟁이 너무 치열했던 거죠.)
사실 콜린 퍼스는 경력만 놓고 보면 '대영제국 스파이'의 이력이 없는 배우지만, 어쨌든 전 세계 여성 팬들을 녹일 수 있는 댄디한 매력의 소유자라는 점에서 매우 훌륭한 선택이 아닐 수 없습니다. 물론 매튜 본의 의도는 타론 애저튼을 앞세워 '귀족인 척 하는 자들의 희화화'였는지도 모르지만, '킹스맨'을 본 전 세계의 대다수 여성 관객들에게 이 영화에서 애저튼은 퍼스의 비중에 비해 눈에 보이지도 않을 정도의 미미한 존재라는 점에서, 별 의미 없는 얘기로 전락하고 맙니다. (영화를 본 거의 모든 분, 특히 여성 관객들은 콜린 퍼스 외에는 아무도 관심이 없는 듯...^^)
아울러 1960년대, 또 다른 히트 스파이 시리즈인 '해리 팔머' 시리즈를 주도한 마이클 케인이 아서 역으로 등장하는 것은 이 영화에 '영국산 스파이'와 '안경 쓴 쉬크한 스파이'의 정통성을 부여합니다. 물론 킹스맨 2층의 회의실이 원형 테이블이 아니라는 건 약간 실망스럽기도 하지만요.
(해리 팔머 시리즈 시절의 풋풋한 마이클 케인.)
이런 맥락을 제외하면, 이 영화에 과연 어떤 식으로든 사회 비판이나 계도성 메시지가 담겨 있을 거라고 기대한다는 것 자체가 이 영화의 존재 의미를 좀 왜곡하는 느낌이 듭니다. 아시는 분은 다 아시겠지만 매튜 본의 영화 이력은 사실상 가이 리치의 히트작 '록 스탁 앤 투 스모킹 배럴스'의 프로듀서 역할에서 시작합니다.
그 뒤로 직접 감독으로 나서 만든 영화들 - 가이 리치 의 영화라고 해도 아무도 신기해 하지 않을 '레이어 케이크'에서 이번 '킹스맨'에 이르기까지 그의 영화에 등장하는 일관된 메시지는 'B급이면 어때'와 '주인공만 주인공이란 법 있어' 입니다. 보는 이에 따라 여기에 어떤 의미를 부여하는 것은 자유지만, 과연 그의 영화에서 몇몇 평론가들이 읽어 내는 '의미'를 찾는다는 것은 서태지의 '소격동'에서 군사정권에 대한 비판을 읽어내려는 것 만큼이나 억지로 느껴집니다. 뭐 이 영화에 귀족과 기득권층에 대한 비웃음이 담겨 있는 것은 사실이지만, 그걸로 '킹스맨'을 읽어야 한다고 주장한다면 타란티노의 '장고'는 인종차별국가 미국을 전복해야 한다는 프로파간다라고 보아야 할 정도겠죠.
사실 '킹스맨'은 매우 비교육적인 영화이고, 청소년 관람불가 등급이 매겨진 것도 당연하다는 생각이 듭니다. 이 영화에 담긴 생명 경시나 성차별, 인종 차별, 그리고 '정치적 공정성'이란 말 자체를 비웃는 듯한 표현들은 이루 헤아릴 수 없을 정도입니다. 하지만 그 저속함을 이유로 무시하기엔 이 막나가는 코미디 영화가 갖고 있는 재미가 무시할 수 없을 정도로 크다는 데 한 표를 던지겠습니다. 코미디는 그냥 코미디로 향유할 수 있는 사람들을 위해서.
(마돈나를 사이에 두고 왼쪽이 가이 리치, 오른쪽이 매튜 본)
P.S. 한때 매튜 본은 '가이 리치의 재능을 흠모해 따라다니는 돈 많은 친구' 정도의 대접을 받았지만, '킹스맨'을 통해 마침내 가이 리치와의 위치를 역전시킬 기회를 잡았습니다. 가이 리치가 데뷔 초의 재능은 어디로 팔아먹고 로버트 다우니 주니어의 '셜록 홈즈' 시리즈 같은 영혼 없는 영화로 흥행 감독의 면모만 유지하게 되어 버린 결과죠.
흥미롭게도 가이 리치 또한 나폴레옹 솔로라는 슈퍼 스파이로 유명한 왕년의 인기 시리즈 '첩보원 0011(Man from U.N.C.L.E)'의 리메이크와 함께 '원탁의 기사(Knights of the round table)'의 제작을 발표해, '고전적 스파이 이야기'와 '아서왕 이야기'를 한방에 버무린 매튜 본과 평행선을 그리게 됐습니다. 과연 이 두 작품에서 가이 리치가 왕년의 기발함을 되찾을 수 있을지 기대됩니다.
2015. 1. 1. 음악의 수도 빈에서 열린 빈 필하모닉 신년음악회 neujahrskonzert 실황을 메가박스 생중계로 봤습니다. 물론 그동안 몇 차례 있었던 바이로이트 페스티발 '생중계' 라든가 브레겐츠 오페라 페스티발 '생중계' 등이 있긴 했지만 사실 진짜 생중계는 거의 없었죠(일단 그쪽에서 저녁 시간이면 한국에서 저녁 시간일 수가 없으니). 그래서 이런 이벤트가 있을 때마다 "대략 24시간 이내에 다른 국가의 극장에서 방송되는 건 '생중계'로 친다"는 설명이 붙었습니다.
하지만 1월1일 오후 7시부터 진행된 이번 빈 필하모닉 신년음악회는 진짜 생중계였습니다. 주빈 메타 지휘로 빈 무지크페라인에서 열린 이 이벤트는 빈 현지 시각으로 1월1일 오전 11시15분부터 치러진 이벤트이기 때문입니다. 서울과 빈의 시차는 8시간. 대략 7시20분 쯤 중계방송(?)이 시작됐으니 생중계 맞습니다.
사실 저도 보기 전부터 이런 저런 것들을 생각하고 본 건 아니고, 그냥 대략 "시간으로 볼 때 이번엔 진짜 '거의' 생중계겠구나" 하는 생각만 갖고 있었는데 시차를 따져 보니 진짜 생중계라서 좀 놀랐습니다. (분명히 생중계이긴 하지만 '아름답고 푸른 도나우'와 '라데츠키 행진곡'은 사실 영상에서는 앵콜 곡이었는데 프로그램에도 들어 있고, 생중계 방송사에선 자막까지 다 만들어 놓고 뭐 이건...^^)
빈 필하모닉 신년음악회는 예전에도 몇 차례 쯤 국내 방송에서 신년 특집으로 소개한 적이 있었는데, 물론 방송으로 이런 콘텐트를 처음부터 끝까지 느긋하게 시청하기란 쉽지 않습니다. 물론 BGM으론 가능하겠죠. 그래서 이렇게 처음부터 끝까지 이 행사를 지켜본 것은 이번이 처음이라 소감을 좀 기록해 놓을까 합니다.
1. 생중계의 품질이 아주 훌륭했다고 말하기는 힘들 듯. 대략 15분에서 20분마다 화면과 음향이 LP 튀듯 튀는 현상이 발생했습니다. 그래도 영상과 음향이 싱크로가 깨진다거나 하는 일이 발생하지는 않더군요. 물론 결정적으로 방송 장애가 발생한 것은 아니었지만 2시간30분짜리 '음악' 콘텐트를 중계하는 데 7~8회 정도(세다가 잊어버렸습니다) 수신 이상이 발생하는 건 개선의 여지가 있어 보입니다.
2. 사실 가장 놀라운 건 메가박스 코엑스관에서 5개관이 동원됐고 기타 지점에서도 이벤트가 있었는데 사실상 전석 매진이란 거였습니다. 생각보다 훨씬 많은 사람들이 이 콘텐트를 신년 이벤트로 고려했다는 얘기거든요. 조금 과장하면 '매년 1월1일은 메가박스에서 빈 필하모닉 신년음악회를 보는 날' 같은 느낌을 줄 수 있을 지도 모르겠다는 생각이 들 정도.
3. 아버지 요한 스트라우스는 약 150여곡, 아들 요한 슈트라우스는 170여곡의 월츠를 작곡했다고 합니다. 그런데 아무리 들어 봐도 사실 월츠라는 음악은 감상용이라기 보다는 리듬에 따라 춤을 추기 위한, '실용음악'이란 느낌을 지울 수 없습니다. 이런 얘기를 하면 불경스럽게 생각할 분도 있겠지만, 월츠가 '클래식 음악'이라는 분류에 들어 있어서 그렇지 콘서트장이나 이런 이벤트를 통해 월츠를 점잖게 앉아 '감상'하는 것은 댄스뮤직을 좌정하고 앉아 '감상'하는 것이나 별 차이가 없다는 생각...
4. 그러다 보니 전반은 다소 지루한 느낌이 들기도 합니다. 하지만 인터미션이 지난 뒤, 2부부터는 주빈 메타의 적극적인 진행 감각이 관객을 즐겁게 합니다. 예를 들어 요한 슈트라우스 2세의 '무궁동 Perpetuum Mobile'을 연주할 때에는 곡 후반을 피아니시모로 유지하다가 관객을 향해 큰 소리로 "etc, etc, etc" 라고 외쳐 웃음바다를 만들어 놓더군요. 끝없이 같은 패턴이 반복되는 곡 특성을 유머로 승화시킨.
5. 처음 들어 본 곡입니다만 요한 슈트라우스 2세의 '학생 폴카'라는 곡이 연주됐는데, 이 곡이 어디서 많이 들어 본 곡이더군요. 브람스의 '대학축전서곡'에 나오는 '가우디아무스 이기투르 Gaudeamus Igitur' 파트의 변주로 보이던데... 이건 브람스의 패러디지, 아니면 브람스와 슈트라우스가 모두 어딘가에 있는 노래를 가져다 쓴 것인지 저도 궁금합니다. 아시는 분 있으면 알려주시기 바랍니다.
아래가 그 가우디아무스...
6. 이밖에도 단조로움을 극복하기 위해 몇몇 곡들에 발레 안무를 덧붙이는 아이디어(물론 공연 주최측보다는 중계방송을 하고 있는 ORF가 짜낸 것이겠지만)는 매우 훌륭했다고 생각합니다.
7. 가장 마음에 든 연출은 바로 Hans Christian Lumbye 의 곡인 Champagner-Galopp 을 연주할 때 등장한 '샴페인 병 따는 소리 내는 악기'와 단원들에게 술잔을 권하던 메타 옹의 퍼포먼스.
8. 신년음악회의 영원한 엔딩 곡이라 할 수 있는 아버지 요한 슈트라우스의 '라데츠키 행진곡' 때 보여준 메타 옹의 박수 지휘 퍼포먼스는 그야말로 압권. 음악의 원하는 지점에서 원하는 크기의 박수를 관객으로부터 얻어 내는 노련한 지휘자의 기량을 통해 '과연 음악에서 지휘자란 무엇인가'를 아주 쉽게 보여줬습니다.
('라데츠키 행진곡' 앞부분에서 관객들의 박수를 중단시키고 메타 옹이 단원들에게 외치게 한 구호 같은 건 대체 뭘까요. 역시 빈 거주자, 독일어 능통자 내지는 음악 고수 여러분의 가르침을 기대하겠습니다.^^ )
9. 결론은 강추. 다음 기회에라도 한번 보실만한 콘텐트입니다. 정 뭐하면 2016년 1월1일을 기대해 보시는 것도...
10. 이 이벤트를 놓친 분들께 추천 하나. 1월3일에는 메가박스에서 사이먼 래틀이 지휘하는 베를린 필하모닉의 '2015 신년음악회'를 비슷한 형식으로 소개합니다. 단, 제목은 약간 혼동의 여지가 있습니다. 이 공연은 2014년 12월29일(현지시간) 열린 '새해맞이 음악회'입니다.
그러니까 정확한 제목은 '신년음악회 New Year Concert'가 아니라 '새해맞이 음악회 New Year's Eve Concert'
P.S. 일본의 상류층 여성 사이에는 '기모노 입고 1월1일 빈에서 신년음악회 보기' 에 대한 로망 같은 것이 있는게 아닌가 하는 생각. 기모노 입은 일본 여성 관객들이 최소 10명은 앞자리에 포진하고 있었습니다. 가장 비싼 1090유로급 좌석인 모양이던데... (혹시나 해서 검색해 보니 가장 싼 좌석은 35유로).
"아니지, 그건 플랜 A도 아니고 플랜 B도 아닌거지. 블랙홀 들어가면서 새로운 길이 열린거잖아!"
크리스토퍼 놀란은 "아무런 물리학적 지식 없이도 즐길 수 있는 영화를 만들겠다"고 했지만 그게 그렇게 쉬운 일은 아닌 듯 합니다. 게다가 평소 조용하시던 SF 덕후, 물리학 전공자, 전문 지식인들까지 합세해서 "그거랑 그거는 말이 안돼. 그리고 그건... 알지만 그렇게 한 거야. 그리고 이 부분이 상징하는 것은..." 으로 '모르는 사람'들을 더욱 혼란스럽게 하고 있습니다.
개인적으로 매우 재미있었습니다만, 굳이 169분, 3시간에서 11분 모자라는 러닝타임이 다 필요했나 하는 생각도 드는 작품입니다. 어쨌든 격찬이 쏟아지고 있는 영화인데도 불행하게 '난 그 긴 시간을 졸지도 않고 봤는데 무슨 말인지 잘 모르겠어'라는 분들이 꽤 계신 듯 합니다. 그런 분들을 위한 글입니다.
이 영화에 대해 자주 나오는 질문들과 나름대로 생각한 답들을 적어 봤습니다. 당연히 정답이라고 주장할 생각도 없고, 많은 분들의 가르침을 바라는 의미에서 공개하는 글입니다. 끝부분에는, 도저히 제 수준에선 답을 생각할 수 없는 질문들도 있습니다.^^
우선 질문 0. 많은 분들이 궁금해 하시는 Do not go gentle into the good night 은 영국 시인 딜런 토머스의 시입니다. 밥 딜런이 예명을 따 온 바로 그 시인이죠. 전문과 해석은 http://dubunut.blog.me/220173993086 쪽을 참고하시기 바랍니다. 어쩐지 일모도원(日暮途遠)이란 고사성어도 생각나고... 영화의 주제를 분명하게 해 주는 시입니다.
이 글은 당연히 스포일러의 덩어리 입니다. 영화 아직 안 본 분은 여기서 패스. 그리고 영화는 꼭 보세요. 당연히 강추. 욕하실 분들도 일단 보시고 욕을 하세요. 물론 언제나 그렇듯, 가끔 '난 결말 알고 보는 게 더 좋아' 하는 분들도 있더군요. 그런 분들은 환영.
간단 줄거리:
지구가 기상이변과 자원고갈로 식량부족 상태를 맞게 되어 절멸의 위기에 놓인 가까운 미래의 어느 날, 왕년의 엔지니어이자 우주비행사였던 쿠퍼(매튜 매커너히)는 똑똑한 딸 머피의 방에서 일어난 초자연적인 현상들을 관찰하다가, 사라진 줄 알았던 NASA와 접촉하게 됩니다. 그리고 인류를 종말에서 구하기 위한 필사적인 프로젝트가 진행중임을 알게 됩니다.
쿠퍼의 옛 보스였던 NASA의 리더 브랜드 박사(마이클 케인)는 쿠퍼에게 우주로 나가는 탐사선을 조종해 달라고 요청합니다. 단 인류를 구하는 길에는 플랜A와 플랜B가 있음을 설명하죠(아래 상술). 가족과 수십년이 될 수도 있는 이별을 해야 한다는 사실에 쿠퍼는 고민하지만 결국 대의를 따릅니다.
그리고 우주로 향하는 4명의 탐사대원. 이미 12명의 선발대가 생명이 존재 가능한 성단 지역 열 두곳을 탐사했고, 그중 세 곳에서 긍정적인 신호가 도달했습니다. 하지만 첫번째 행성(밀러의 별)은 육지 없이 거대한 바다로만 이뤄진 행성이라 사람이 살 수 없었고, 두번째 별(만의 별)은 얼음으로만 뒤덮여 있습니다. 심지어 그 별에 먼저 도착한 만 박사(맷 데이먼)의 배신으로 탐사는 절대 위기를 맞게 됩니다.
질문 1. 대체 플랜 A는 뭐고 플랜 B는 뭐냐?
간단히 말하면 플랜 A는 현재 지구에 살아남은 인류가 외계의 새로운 보금자리로 이주하는 것, 그리고 플랜 B는 수정란 상태의 인류를 외계의 보금자리에 새로 심어서 거기서 인류의 혈통이 살아남게 하는 것을 말합니다.
어느 쪽이든 외계 어딘가에 인류가 살 수 있는 공간이 존재한다는 것을 전제로 합니다. 갈 데가 있어야 이식(플랜 A)이든 파종(플랜 B)이든 가능한 것이니까요. 그래서 쿠퍼 일행이 탄 탐사선 인듀어런스 호의 역할은 절대적입니다.
그렇게 때문에, 브랜드 박사는 쿠퍼에게 설명합니다. '일단 네가 탐사대를 이끌고 떠나고, 나는 여기 남아서 플랜 A를 위한 문제를 네가 돌아올 때까지 해결하겠다'. 이 문제란 대규모 인구의 우주 여행을 가능케 하는 기술의 문제(질문 4의 답에서 더 자세히 설명) 입니다. 영화 마지막 장면에 나왔듯 거대한 우주정거장을 만들어 그것을 토성 근처까지(웜홀이 있는 곳까지) 가져다 놓는 것을 해결하는 수준의 기술이 있어야 플랜 A가 가능해지기 때문입니다.
그러니까 브랜드 박사를 포함한 NASA는 최대한 플랜 A를 위해 노력하되, 그 가능성이 사라지면 플랜 B라도 실행하라는 미션을 탐사대에게 준 것입니다. (물론 이건 거짓말이었죠.)
질문 2. 그럼 플랜 A가 성공하지 못하면 쿠퍼도 지구로 돌아오지 못하나?
꼭 그렇지는 않습니다. 만약 플랜 A가 성공한다면, 쿠퍼가 지구로 돌아오지 않아도, 반대로 가족이 우주로 가서 쿠퍼와 재회할 수 있다는 정도입니다. 아니면 쿠퍼가 지구로 일단 돌아와서 가족과 재회할 수도 있고. 다만 전제는 '돌아올 연료가 충분할 때' 라는 것입니다.
이미 탐사대가 떠나기 전, 연료와 물자의 제한 때문에 '3개의 목표를 모두 돌아보고 지구로 귀환하는 것은 불가능'인 상태입니다. 그래서 첫번째 '밀러의 별(바다의 행성)'을 거친 뒤 아멜리아 브랜드(앤 해서웨이)는 쿠퍼에게 말합니다. "두 번째 별(만의 별)로 갔는데 이곳이 인류의 정착지로 가능성이 없으면, 세번째 별(에드먼즈의 별)로 갈지 지구로 귀환할 지를 선택해야 한다. 그때도 냉정하게 선택하기 바란다"고.
그리고 두번째 별. 만 박사는 "이 별의 높은 곳은 얼음뿐이지만 저지대로 내려가면 토양이 있고, 암모니아도 사라져서 호흡도 가능하다"고 희망적인 말을 합니다. 그래서 탐사대는 이 별을 정착지로 삼고, 일단 플랜 B를 실행하기로 한 것이죠(마침 플랜 A의 가능성이 사라졌다는 사실도 알게 된 상황입니다).
따라서 쿠퍼는 얼음 행성에서 플랜 B를 실천하는 것으로 자신의 의무가 끝났다고 선언하고, 인듀어런스 호를 타고 지구로 귀환하기로 결심합니다. 이미 플랜 A가 불가능해진 상황, 쿠퍼가 지구로 돌아가 자신의 가족들과 함께 지구 문명의 종말을 맞겠다는 뜻입니다.
질문 3. 대체 만 박사는 왜 미쳐 날뛰나?
처음 12명의 선발대를 얘기할 때 브랜드 교수는 "가장 용감한 사람들(the bravest men)"이라고 합니다. 그 이유는 이들이 몇년간의 고독한 우주 여행 끝에 별에 도착해서, 그 별이 인류의 새로운 고향이 될수 있는지를 알려야 하기 때문입니다. 그나마 가능성이 있다면 다행이지만, 가능성이 없다면 이들에게 남은 것은 고독한 죽음 뿐입니다.
만 박사는 거기서 마지막 자제력을 잃은 것입니다. "혼자서, 무의미하게 죽고 싶지는 않다"는 공포에 패배한 것이죠. 그래서 컴퓨터를 망가뜨려 자동 신호를 보내지 못하게 하고, 자신이 임의로 조작한 데이터를 보내 얼음뿐인 그 별이 인류의 생존 가능성이 있는 옥토인 것처럼 거짓말을 하고 동면 상태에 들어갑니다. 그래야 후발 탐사대가 자신을 찾으러 올 것이기 때문이죠.
하지만 그는 마지막으로 우주에 인류의 씨앗을 뿌리는 데 기여하고 싶다는 명예욕은 버리지 않고 있습니다. 그래서 쿠퍼가 인듀어런스호를 타고 지구로 돌아가려 한다는 것을 알고, 쿠퍼를 제거하려 합니다. 인듀어런스호가 있어야 제 3의 별(에드먼드의 별이라고 하지요)로 가서 플랜 B를 실행할 수 있기 때문입니다.
질문 4. 그럼 브랜드 교수의 거짓말이라는 건 대체 무슨 의미?
('방정식은 40년 전에 이미 풀었다'는 말을 오해하시는 분들이 있어서 정리.)
브랜드 교수가 해결해야 하는 것은 중력의 문제입니다. 현재(혹은 영화 시작 시점) 기술로 인류는 고작해야 서너명의 탐사태원을 먼 우주로 쏘아올릴 수 있습니다. 웜홀을 통해 다른 은하계로 갈 수도 있다지만, 일단 토성 근처의 웜홀까지 가는 데 2년이 걸리는 상황이죠. 그렇다면 대규모의 인구가 거주하고, 자급자족을 통해 식량과 에너지를 해결할 수 있는 거대 거주 시설을 겸한 우주선(영화 마지막에 보이는 거대한 우주정거장 같은)을 쏘아 올리는 것은 상상하기 힘든 일입니다.
그런 거대한 우주정거장을 구축하는 것은 가능하지만 - 이미 쿠퍼가 출발하기 전에 많은 사람들이 그 공사를 하고 있는 것으로 보입니다 - 그것을 우주로 날려 보내는 방법이 마련되지 않으면 인류의 우주 이민, 즉 플랜 A는 아예 불가능한 것이죠.
브랜드 교수가 방정식을 풀었다는 것은, 절반의 답, 즉 자신이 동원할 수 있는 데이터만으로 해결할 수 있는 부분은 모두 해결했지만, 지구에서 얻을 수 없는 데이터, 즉 '중력의 비밀'을 알아야 그 공식이 완성된다는 것을 알았다는 뜻입니다. 간단히 말하면 '지구상의 데이터만으론 답을 알 수 없다'는 것을 알아낸 것이죠. 그리고 23년 간 바다 행성의 궤도에서 쿠퍼와 아멜리아를 기다리며 블랙홀을 연구한(!) 로밀리는 브랜드 교수가 알아내지 못한 답이 블랙홀 안에서 측정한 중력의 의미에 있다는 것을 알게 되고, 혹시라도 블랙홀 안으로 들어가게 되면 그 데이터를 측정할 수 있도록 컴퓨터 타스(TARS)를 세팅해 놓죠.
하지만 브랜드 교수는 이런 상황을 알지 못한 채 머나먼 지구에서 숨을 거두고, 그 연구를 이어받은 머피 쿠퍼(제시카 차스테인, 쿠퍼의 딸)는 교수의 거짓말에 일단 분개하지만, 곧바로 브랜드 교수를 이해합니다. 교수가 이런 거짓말을 하지 않았다면 모든 사람은 희망을 잃었을 것이고, 설사 브랜드 교수나 머피가 '중력의 비밀'을 해결한다 해도 아무것도 해결되지 않았을 것임을 알았기 때문입니다.
질문 5. 대체 '그들'은 누구인가?
뭐 영화 속에 답이 있습니다만, 어떤 분들은 그 답으로 충분하다고 여기고 어떤 분들은 아니라고 생각하는 듯 합니다.
영화 속 쿠퍼의 추정으로 '그들'은 고도의 과학력을 가진 미래 인류의 후손입니다. 그들은 이미 중력의 비밀을 알았고, 생각의 힘을 통해 그 중력이 과거와 현재를 포괄하는 다른 차원에까지 도달하게 하는 방법을 알고 있습니다.
하지만 어떤 이유에서인지 직접 그 방법을 써서 쿠퍼나 머피에게 영향을 주지는 못하고, 단지 쿠퍼나 머피를 '그것이 가능한 상황'에 도달하게 하는 듯 합니다. 흑은 이런 부분이 '그들'을 신의 위치에 놓고, 신이 어떻게 인간의 역사를 만들어 가는가에 대한 놀란의 해석일 수도 있겠다는 생각이 들기도 합니다. 신에겐 모든 것이 가능하지만 직접 행사하기 보다는 인간의 자유의지에 맡겨 놓는다..는 식의 기독교적 해석일 수도.
아무튼 이 부분에 대한 설명은 절대 상세하지 않고, 이 영화의 방향으로 볼 때 상세해 질 수도 없다고 생각합니다. 왜냐하면 이 부분은 생각하면 생각할수록 더 혼란스러워지기 때문에.^^ 결국 중요한 건 '사랑'이라는 말을 기억하시기 바랍니다.
질문 6. 대체 왜 아멜리아는 그 시점까지 혼자서 에드먼즈의 별에 있나?
영화의 마지막 부분. 우주정거장에 도착한 늙은 머피는 쿠퍼에게 자신의 죽음을 기다리지 말고, 혼자 기다리고 있는 브랜드(아멜리아)에게 가리고 말합니다. 그리고 쿠퍼는 수리한 타스와 함께 우주선을 타고 아멜리아에게 떠나고, 화면은 먼 별 어딘가에 있는 아멜리아의 모습을 비쳐 줍니다.
쿠퍼는 블랙홀로 들어갔으니 124세지만 당연히 젊은 모습 그대로이고, 지구 나이로 그 나이를 먹은 머피는 아마도 90대 정도의 나이일 것입니다. 즉 쿠퍼가 블랙홀에서 지구 시간으로 한 50년 정도의 시간을 보냈다는 뜻입니다.
그렇다면 1) 왜 아멜리아는 젊은 모습 그대로인 것이고 2) 왜 '혼자' 있는 것일까요. 즉 쿠퍼가 전송한 데이터를 통해 머피가 중력의 비밀을 공식에 반영시킨지 근 50년이 흘렀는데, 왜 머피는 아멜리아가 있는 별까지 후발대를 보내지 않은 것일까요.
뭐 1)에 대한 설명이야 아멜리아가 수시로 동면하면서 젊음을 유지했다면 굳이 가능한 일일 듯 하지만 2)는 좀 쉽지 않습니다. 이런 거대한 우주정거장까지 가능한 상황이라면, 머피는 쿠퍼를 발견하든 말든(애당초 발견할 거라고 기대한다는 것 자체가 말이 안 되고), 혹은 아멜리아가 에드먼즈 행성에 도달하건 말건 계속해서 후발대를 보내야 하기 때문입니다.
가장 쉬운 설명은 그 마지막 신의 별 풍경은 그냥 쿠퍼의 상상일 뿐이라고 하는 것. 그리고 실제로는 이미 활성화된 우주 식민지에서 90세의 할머니가 된 아멜리아든, 또는 동면으로 젊음을 유지한 아멜리아든 누가 쿠퍼를 기다리고 있을 것이라는 것, '혼자' 어쩌고 하는 것은 그냥 비유적인 표현일 것이라는 정도로 생각하는 것입니다. (여기서 좀 더 무리하면 아예 우주정거장 장면 전체가 쿠퍼의 꿈이라고 할 수도...)
어떤 분들은 그 별에서 아멜리아가 바라보는 곳에 이미 식민지가 건설되어 있다고도 하시는데 이건 아마 착각일 듯. 이미 인듀어런스 호에는 아멜리아의 실험실을 포함해 별에 설치할 수 있는 건물과 기관이 실려 있습니다 - 얼음 행성에서 언급됩니다. 그걸 설치해 놓은 모습에 불과합니다.
아무튼 이건 좀 이해가 안 가는 부분이죠.
질문 6, 그리고 이 다음부터는 제가 답을 생각하는 데 한계가 있는 질문들입니다. 이 부분에 대해서는 다른 분들의 지혜가 필요합니다. 도움을 주시기 바랍니다.
질문 7. 대체 왜 웜홀 너머에선 '어떤 정보'는 송신 가능하고 '어떤 정보'는 송신 불가능한가?
영화를 보다 보면 좀 이상하다는 걸 느끼게 됩니다. 웜홀 너머를 다니는 인듀어런스호는 지구의 가족들로부터 영상 파일을 받을 수 있는 반면, 모르스 부호조차도 돌려보내지 못합니다. "수신은 되지만 송신은 안 돼." 무려 23년간 블랙홀을 연구한^^ 로밀리는 "이 연구 내용을 브랜드 교수님께 전해야 하는데"라며 안타까워 합니다. 아울러 전 승무원은 가족들에게 자신의 안부 한 줄 전하지 못합니다.
하지만 12년 전에 출발한 세 사람의 개척자들로부터는 신호가 도착합니다. 만의 별과 에드먼즈의 별 중 어디로 갈지를 싸우는 쿠퍼와 아멜리아의 대화를 보면 이들이 보낸 신호가 그 별의 환경에 대한 약간의 데이터를 갖고 있다는 것을 알 수 있습니다. 그리고 만 박사가 자신이 보낸 신호를 조작하고 동면한 뒤에, 컴퓨터가 자동으로 만 박사의 신호가 거짓말이라고 밝히는 내용을 송신할 수 없다면, 만 박사는 일부러 컴퓨터를 고장낼 이유도 없는 셈이죠.
그렇다면 이들은 웜홀을 통과한 외계 은하에서, 대체 어떤 정보는 보낼 수 있고 어떤 정보는 보낼 수 없는 것일까요?
질문 8. NASA에 이상 중력 신호를 보낸 것은 누구?
맨 처음 쿠퍼와 머피가 NASA에 도달했을 때, 대체 어떻게 여기를 찾았느냐는 질문에 쿠퍼는 "믿을 리가 없겠지만..."하면서 곤혹스럽게 초자연적인 중력 현상을 설명합니다. 하지만 로밀리는 "이미 여러 차례 이상한 중력 신호가 '그들'로 부터 오고 있다"면서 의외로 '초자연 현상 때문에 이곳에 왔다'는 말을 쉽게 믿습니다.
거의 마지막. 거대한 책장 모양의 블랙홀 신에서 이미 우리는 머피에게 보낸 다양한 중력 신호는 쿠퍼가 보낸 것임을 알게 됐습니다. 그럼 대체, NASA에 중력 신호를 보낸 것은 누구일까요. 12명의 탐사대 중에 누군가가 쿠퍼보다 먼저 블랙홀에 갇힌 적이 있는 것일까요?
(아울러... 쿠퍼는 이미 지구를 떠나기 직전, 머피가 책장을 통한 신호가 'STAY'라는 뜻이라고 해석했음을 알고 있습니다. 그럼 그걸 이미 알고 있는 그가 대체 왜 블랙홀 공간 안에서 안간힘을 써서 'STAY'라는 신호를 보내는 것일까요. 과거 시점에 이미 그 메시지를 전해 듣고도 무시한 자신에 대한 후회로? 그냥 그렇게 해야 앞뒤가 맞을 것 같아서? 그냥 감동하기엔 좀....)
질문 9. 왜 만 박사는 처음부터 플랜 B로 가지 않았을까?
얼음 행성에서 다른 탐사대원들이 머피의 메시지 "플랜 A는 뻥이다"를 전해 듣고 충격에 빠져 있을 때, 만 박사만은 그 사실을 알고 있었다고 말합니다. 그리고 만 박사는, 위에서 말했듯, 마지막까지 자신의 힘으로 플랜 B를 달성하기 위해 갖은 미친 짓을 하다가 사망합니다. 그러니까 이미 그는 지구를 출발할 때 어차피 방법은 플랜 B 뿐이라는 것을 알고 있었던 것이죠.
그렇다면 질문: 대체 왜 12명의 선발대는 처음부터 플랜 B를 실시하지 않았을까요. 그러니까 인류의 수정란 갯수가 한계가 있었다면 모를까, 영화 앞부분에서 보듯 수정란은 엄청나게 많은 수를 만들 수 있고, 공간도 그리 많이 차지하지 않습니다. 그럼 인듀어런스호에 실린 것만큼 대량은 아니더라도, 선발대가 각기 수정란을 갖고 많은 후보지로 출발했다면 인류의 생존 가능성도 훨씬 높아 지는 것이 아니었을까요?
(사실 이런 부분은 영화의 근본 설정에 해당하는 부분이라 말이 된다 안된다를 따지기 힘듭니다. 예를 들어 인류의 남은 자원량이 인듀어런스 호 하나를 날려 보내는 정도로 달랑달랑했던 것인지 그렇지 않은지를 판단하기 힘들기 때문입니다. 그러니까 가능한 대답은... 그냥 '그랬으니까 그런 거지' 정도?)
물론 이런 사소한 질문들에 대해, '영화가 주는 거대한 메시지에 감동할 생각은 않고, 달을 보라는 데 손가락 끝만 보는 저열한 행동거지'라고 야단 치고 싶은 분들도 있겠지만, 사실 '그건 그거고 이건 이거'랍니다. 이런 거 따져 보는 재미가 또 이런 영화 보는 재미거든요. 그냥 할일 끔찍히 없다 생각할 분들은 그렇게 하시고, 혹시 이 질문들에 대해 다른 답이 있는 분들은 제게도 좀 알려 주시기 바랍니다. ^^
명량이 흥행 잠재력을 폭발시키고 있습니다. 예견됐던 일입니다. 방학 시즌에 가족 관객들이 동반 관람할 만한 안전한 선택이라는 점은 큰 이점입니다. 게다가 그 어느때보다 리더십이 화두에 올라 있는 상황, 모든 비난과 고난을 한몸에 담고 묵묵히 실천을 통해 아랫사람의 분발을 이끄는 명장 이순신의 모습을 찾는 것은 어쩌면 당연한 일인지도 모르겠습니다.
그런데 '명량'을 보면서 여러 차례 고개를 갸웃거렸습니다. 김한민 감독의 전작인 '최종병기 활'에서 보여졌던 많은 강점들이 실종된 작품이었기 때문입니다. 특히 이 영화는 단 한 사람의 '진정한 영웅'을 그리고 있는 작품이고, 이 영화를 본 많은 사람들도 '성웅 이순신'에 대한 감동을 소감으로 얘기하고 있습니다. 그런데 개인적인 소견으로는 과연 '명량'이 그 '영웅 만들기'에 성공한 작품인가 하는 의문이 듭니다.
(결과를 놓고 보면, 많은 사람들이 '감동했다'고 고백하고 있으니 성공이 아니라고 말하기가 쉽지 않습니다. 하지만 - 물론 보는 사람에 따라 다르겠지만 - 개인적으로는 매우 아쉽습니다. 그 아쉬움에 대한 내용입니다.)
많은 평자들이 '명량'의 강점을 '정공법'이라고 부르고 있습니다. 영화를 재미있게 하기 위한 많은 장치들을 배제하고, 그저 '위대한 영웅 충무공 이순신'으로 승부를 걸었다는 의미로 보입니다. 동시에 이 '정공법'이라는 말 안에는 다른 의미가 내포되어 있습니다. '굳이 교과서 텍스트 이상을 표현하려 하지 않은 것은 아닌가'하는 생각입니다.
이 영화의 알파요 오메가는 바로 '이순신이라는 영웅을 어떻게 그릴까' 입니다. '난중일기'를 읽고 나면 많은 사람들이 뜻밖의 인간적인 면모를 보고 놀랍니다. 특히 통제사 해직 - 고문과 백의종군 - 칠천량의 패전 - 통제사 복직 - 명량해전에 이르는 참담한 기간의 일기에서는 고뇌하고, 분노하고, 실망하고, 괴로워하는 인간 이순신의 면모가 가슴을 때립니다. 말도 안 되는 명령을 내리는 조정, 말도 안 되는 상황, 말도 안 되게 강한 적, 그 절망을 뚫고 나가려는 초인적인 의지.
그런데 영화 '명량'의 이순신은 아쉽게도 매우 단선적인 인물로 그려졌습니다. 옳고 바른 영웅이라는 점에는 의문의 여지가 없습니다만, 우선 이 인물에게는 소통이라는 개념이 존재하지 않습니다. 가장 그를 믿고 의지하던 부하 안위조차도 퇴각을 주장하지만 영화 속 이순신은 단 한번도 그들에게 왜 여기서 싸워야 하는지 설득하지 않습니다. 전략은 내 머리 속에 있고, 너희는 싸워야 한다는 식입니다. 혼자 고뇌하고, 혼자 불면의 밤을 보내고, 탈주자를 엄벌에 처할지언정 누구와도 공감하려는 노력을 하지 않는 영웅입니다.
다음. 12대 133(또는 300)의 치명적인 열세 상황에서, 그래도 부하들은 이순신이 홀로 앞에서 혈투를 벌이며 북을 치자 달려나와 호응하고 전선에 합류합니다. 아마도 많은 사람들이 이 영화를 보고 '감동했다'고 하는 부분은 바로 이 부분의 솔선수범 때문이 아닐까 생각합니다.
하지만 대장선이 공격당하는 순간 뱃머리를 돌려 달아난 사람은 아무도 없었다는 데에도 주목해야 합니다(물론 대장선이 격침당했다면 바로 다들 달아났겠죠). 이런 상황에서 부하들이, 그리고 백성들이 그를 믿고 달아나지 않은 것은 대체 무엇 때문일까요. '명량'에서처럼 '소통' 조차도 하지 않았다면, 대체 왜 그들은 그를 믿고 따를 수 있었을까요.
이 영화의 가장 주된 텍스트인 '난중일기'에는 그 이유까지 나와 있지는 않습니다. 하지만 한번 더 생각해 보면, '난중일기'에 그런 설명이 있었다면 충무공은 지금까지 이렇게 추앙받는 영웅이 되지는 못했을 것입니다. (당연합니다. 있었다면 그건 자화자찬이었을테니 말입니다.^^)
충무공이 혼자 힘으로 분투할 때 부하들이 멀지 않은 곳에서 대기하고 있다가 앞으로 치고 나와 전투에 합류해 이 전쟁을 승리로 이끌게 할 수 있었던, 백성들이 피난을 가기는 커녕 열두척의 전선 뒤에서 군선을 가장하고 허장성세를 펼쳐 전투를 도울 수 있었던('난중일기'에는 나오지 않지만 이항복이나 윤휴가 쓴 충무공 행장에 기록된 내용입니다. "일부러 백성들의 배를 뒤편에 배치해 우리 편의 수가 많은 것 처럼 꾸몄다" 이 때문에 명량해전을 다룬 일본 쪽 기록은 조선 수군의 전력이 열두척 뿐이었음을 인정하지 않습니다) 요인, 바로 충무공과 아랫 사람들 사이의 절대적인 신뢰가 이 영화를 봐선 납득이 가지 않습니다. 그러니 이 부분에선 어느 정도 상상력이 발휘되었어야 하는 게 아닐까요.
하지만 지나치게 '곧이 곧대로' 표현된 이 영화의 이순신은 고집불통의 노장으로 보일 뿐이고, 희대의 지략가라기보다는 그저 불굴의 투사로만 보이는 것입니다. 최민식이라는 당대 최고의 배우가 이 역할을 맡음으로써 그나마 어느 정도 입체적인 인물 상이 그려질 뿐, 배우의 역량을 빼 놓고 본 '명량'의 이순신 캐릭터에게선 생명력이 느껴지지 않습니다. 그냥 역사나 바른생활 교과서에서 뚝 떼어낸 듯한 재미없는 인물일 뿐입니다.
이순신이 그렇게 되고 나니 다른 인물들은 차마 말하기 힘들 정도입니다. 류승룡, 조진웅, 김명곤, 진구, 이정현 등 내로라하는 배우들이 총출동을 했음에도 불구하고 인상에 남는 인물이 누구냐는 질문을 받으면 뭐라 말하기가 망설여집니다. 이순신 다음으로 큰 비중을 차지하는 구루시마 역의 류승룡이 '나, 왜장. 당신들이 생각하는, 임진왜란 사극에서 늘 보던 바로 그 왜장. 잔혹하고 피에 굶주린 그런 왜장' 에 그쳤고 보면 말입니다. 나오는 장면 장면이 모두 인상적이었던 '최종병기 활'의 쥬신타와는 비교할 수 없는 심심한 캐릭터입니다.
(그 외의 배우들은 더더욱 할 말이... 한 영화인은 "소년 수봉 역을 맡은 신인 박보검 하나 외에는 모두 명량에 수장됐다"고 농담을 던질 정도입니다.)
물론 '명량'의 최대 강점은 해전 장면의 스펙터클에 있습니다. 바다 위를 수놓는 치열한 전투가 시작되면서 '명량'은 비로소 기지캐를 켭니다. 전투의 세세한 상황이 실제 역사와 부합하는가를 따지기에 앞서, '명량'의 전투 신이 매력적이라는 것은 누구나 인정할 수밖에 없습니다. 하지만 이런 좋은 배우들과 엄청난 물량이 투입된 결과가 현재의 '명량'이라면, 아무래도 아쉽다는 느낌이 앞서게 됩니다.
하긴 현재 상태에서도 많은 관객들이 '명량'을 본 뒤 '애국의 열정이 샘솟더라'고 말하고 있습니다. 또 다른 사람은 '가슴이 뛰었고, 영화의 진정성을 깊이 느꼈다'고 하더군요. 물론 이런 평가를 내리는 분들도 있을 겁니다. 개인적으로는, 이런 평가의 가장 큰 이유는 이 영화가 '한민족 역사에 길이 남는 명장'과 그 명장의 위업을 다루고 있다는 점에 기인한다고 생각합니다. 다만 영화 '명량'에 대한 평가는 이런 관중의 대대적 호응과는 조금 분리해서 생각할 필요도 있을 듯 합니다.
로빈 윌리엄스 주연 영화 '죽은 시인의 사회' 앞부분에는 키팅 선생님이 학생들에게 유명한 문학 교과서의 첫 페이지를 찢어 버리라고 명령하는 대목이 나옵니다. '시의 이해 Understanding Poetry' 라는 이 교과서에서는 한 시 작품의 위대성을 판단하기 위해 두 가지의 기준을 제시합니다. 하나는 시가 얼마나 예술적으로 완성도 있게 쓰여졌는가, 그리고 또 하나는 '시가 다루고 있는 대상이 얼마나 중요한가' 하는 것입니다. 하지만 키팅 선생님은 바로 이 설명을 찢어버리게 합니다. '중요한 대상에 대해 묘사하고 있으면 위대한 시라고 할 수 있는가?' 라는 질문이 얼마나 헛된 것이냐는 이유 때문입니다.
'명량'은 바다 위에서 벌어지는 싸움을 그린 작품으로는 한국 영화사에 충분히 기억될 만한 그런 영화입니다. 하지만 '성웅 이순신'을 묘사한 작품으로는 그만한 평가를 받기 힘들 듯 합니다. 스필버그의 '링컨'이나 TV 사극 '뿌리깊은 나무', '정도전' 처럼 '모든 사람에게 잘 알려진 영웅을 다룰 때 어떻게 해야 할 것인가'에 있어 각각 다른 방식의 전범을 보여준 작품들을 생각한다면 '명량'이 그려낸 이순신의 모습은 지금보다는 훨씬 더 입체적이어야 했을 것 같습니다.
7,8년 전인 듯 합니다. 우연히 밤에 택시를 탔는데 일상적인 강원도 사투리보다 더 강한 억양의 사투리를 쓰는 기사 아저씨를 만났습니다. 개인적으로는 어려서부터 많이 듣던 사투리였기에 '이북 쪽이신가봅니다?'했더니 함경도 쪽이라고 하시더군요. 그리고 저보고 어떻게 아느냐길래 '저도 함경도 쪽'이라고 했더니 깜짝 놀라는 겁니다.
알고 보니 그분이 탈북자. 그런데 그 무렵만 해도 탈북자가 택시 운전을 한다는 건 상상하기 힘든 일이었습니다. 놀랍기도 하고, 직업적 본능(?)도 살아나고 해서 이것 저것 대화를 나누다 어느새 목적지에 도착했는데 그분이 이런 얘기를 하시더군요.
"부모님한테 효도하세요. 그때 피난 내려와서 낳아 주셔서 감사하다고. 여기 사람들은 그게 얼마나 다행인지 몰라요."
그러게요. 하긴 무슨 수로 알겠습니까.
탈북자가 등장하는 영화는 이미 한 장르로 자리잡을 만큼 커졌습니다. 물론 탈북자들의 안타까운 사연을 다룬 차인표 주연의 '크로싱' 같은 영화 보다는 '북한 남성=그다지 근육질은 아니지만 마르고 탄탄한 특수부대 요원'이란 다소 비정상적인 고정관념을 확대시키는 영화가 지나치게 많이 쏟아져 나오고 있는게 현실이죠. 아무튼 그중 많은 기대를 모았던 영화가 '용의자'입니다.
먼저 줄거리.
대리운전으로 생계를 이어가는 탈북자 지동철(공유). 다시 운전기사로 일해 달라는 박회장(송재호)의 청을 거절한 날 밤, 동철은 박회장을 살해하러 저택에 침입한 괴한들을 마주하게 됩니다. 격투를 벌이지만 박회장은 이미 치명상을 입고 동철에게 유언을 남긴 뒤 숨을 거둡니다.
영화의 흐름상 당연히 동철이 범인으로 지목되고, 공수부대 교관 민대령(박희순)은 왕년의 정보국 동료였던 김실장(조성하)의 호출을 받아 지동철 수색에 나섭니다. 하지만 얼마 지나지 않아 민대령은 자신 외에도 동철을 뒤쫓는 팀이 있고, 이 사건이 단순한 살인사건이 아님을 깨닫게 됩니다.
'그릇된 오해를 받고 추격당하는 특수 요원'이라는 주제에는 누구나 본 시리즈를 떠올리겠지만 이런 스타일의 영화는 수백편, 수천편을 꼽아도 될 정도로 많습니다. 특히나 영화 뿐만 아니라 '24' 같은 드라마는 비슷한 플롯에 따라 수십편의 비슷비슷한 이야기를 찍어내 이 장르에 또 하나의 이정표를 세웠습니다. 영화가 끝날 때까지 지동철을 연기하는 공유가 음식이라곤 단 한번도 입에 대지 않는 것은 어쩐지 이 영화가 '본' 시리즈보다는 '24'쪽에 오마쥬를 표현하고 있기 때문이 아닌가 하는 생각이 듭니다. (부언하자면 '24'의 잭 바우어는 매 시즌 드라마가 시작할 때부터 끝날 때까지 아무것도 안 먹는 걸로 유명하죠.^^)
에너지가 넘치다 못해 터질 지경인 이 영화의 카 액션에는 엄청난 찬사가 쏟아지고 있습니다. 두말할 나위 없이 대단한 액션입니다. 많은 사람들이 말했든 한국 영화에서 이 정도 완성도의 자동차 액션을 보는 건 처음이 아닌가 하는 생각이 듭니다. 특히 경찰차를 이용해 경찰차 바리케이드를 돌파하는 신은 강렬하고 인상적입니다. 물리적으로 과연 그런 돌파가 가능할까 하는 생각도 들지만 - 일단 앞 경찰차가 브레이크만 강하게 밟아도 불가능할 것 같기는 한데 - 아무튼 보기 좋았습니다.
반면 몇 차례 등장하는 근접 전투 신은 그동안 수많은 영화에서 비슷한 장면들을 보아 온 탓에 이제 좀 질리는 느낌이 있습니다. 특히나 두 명의 격투 상대자가 최대한 몸을 접근시킨 뒤 손날과 팔꿈치로 서로 동시에 공격과 방어를 하며 주위의 장애물들에 몸을 부딪는 '격투 전문가들의 싸움' 장면들은 최근 10년 사이 너무 많은 영화에서 사용돼 이제 좀 지루한 느낌이 들기도 합니다.
(어쩌면 이 다음 세대의 격투 신은 과거처럼 팔과 다리를 화려하게 휘젓는 쪽으로 다시 유행이 옮겨지지 않을까 하는 생각을 잠시 했습니다.)
영화 '용의자'는 희대의 걸작은 아니지만, 충분한 매력을 갖고 있는 영화입니다. 일단 문제점으로 보이는 부분들을 꼽자면, 이야기 자체가 그리 독창적이라고 보기 힘들고, 이야기의 짜임새 또한 그리 정교하지 않습니다. 특히 결말을 앞둔 마지막 30분 정도에선 논리적인 설명을 포기한 듯한 진행이 계속됩니다. 네. 이런 부분들이 '용의자'의 약점입니다.
하지만, 그럼에도 불구하고 관객들은 그 마지막 30분 동안, 동철과 딸의 생사를 걱정하고 있는 자신을 발견합니다. 비록 상당 부분 전형적인 흐름을 따르고 있지만, 관객들이 동철의 운명을 충분히 걱정할 수 있도록 하는 감정의 배분이 잘 이뤄졌기 때문입니다. 그리고 무엇보다, 어찌 보면 강인한 인상이지만 근본적으로 선량한 웃음을 갖고 있는 공유라는 연기자의 적절한 캐스팅이 빛을 발하는 부분입니다. 물론 캐스팅만 해 놓고 일이 다 끝난 건 아니죠. 어떻게 그 동철에게 관객의 감정을 집중시키느냐 하는 것이 가장 중요한 문제인데, 원신연 감독은 이 부분에서 훌륭하게 성공하고 있습니다.
(이 역시 심각하게 생각해 보면, 생존률 3%라는 북한 최고의 특수부대에서 수없이 생사를 넘나들고, 죽이지 않으면 죽는 나찰의 세계에서 버텨 온 남자가 과연 그렇게 선량한 눈빛과 웃음을 지닐 수 있겠느냐는 회의가 들긴 합니다. 만약 진짜 특수부대 출신 - 자칭 특수부대 말고 진짜 아는 사람만 아는 그런 부대 - 을 만나 보신 분들이라면 이 말이 무슨 뜻인지 아시리라고 생각합니다. 하지만 뭐 어떻겠습니까. 이건 다큐가 아니라 그냥 영화인 걸. 그리고 2004년, 공유의 영화 데뷔작 '동갑내기 과외하기'를 기억하시는 분들이라면 공유의 오늘에 박수를 보내지 않을 수 없을 겁니다.)
관객이 동철의 안위를 걱정하게 된 이상, 나머지 요소들은 꽤 무시해도 좋습니다. 대략 국정원 차장급의 간부가 분명하지도 않은 트집으로 지상파 방송사 기자를 해직시킬수 있다는 부분, 기자들이 닭처럼 '특종!'이라고 외치며 우왕좌왕하는 부분, 다른 경찰들은 아무도 들어가지 못할 때 항상 혼자 유유히 침투하는 슈퍼 능력자 민대령의 석연찮은 동선 등 이 영화의 플롯에는 좀 무리다 싶은 부분들이 분명 눈에 띕니다.
그렇지만 관객들에게 있어 가장 중요한 부분을 충족시켰기 때문에 이런 문제점은 슬쩍 묻혀 버립니다. 아마 이 영화를 본 여자분들은 공유의 팬이거나, 아니었더라도 보고 나서 마음 속에 공유를 담아 가게 될 듯 합니다.
결론적으로 '용의자'는 뭔가 생각 많이 하지 않고 볼만한 뇌 휴식용 영화를 원하는 분들에게 아주 훌륭한 선택입니다. 상영시간은 매우 짧게 느껴지고, 특히 액션 마니아들에게는 충분한 시각적 포만감을 제공합니다. 공유의 열연이 과연 올 한해, 대작 사극들이 수없이 격돌하는 2014년 남우주연상 레이스에서는 어떤 평가를 받을지 벌써부터 궁금합니다.
P.S. 거의 첫 장면, 동철과 박회장이 만나는 허름한 식당의 이름이 '봉남집'이라는 점이 눈길을 끌었습니다. 당연히 '통미봉남'이 연상되어서였죠. 이밖에도 몇몇 대사는 시나리오 단계에서 남북관계의 현주소에 대한 꽤 심도 있는 학습이 이뤄졌음을 알 수 있게 합니다만, 영화상으로 그리 효과적으로 드러나지는 않습니다. 관객이 재미 없어 할 부분은 모두 뺀 결과겠지요.
P.S.2. 동철이 만삭의 아내에게 사다 준 물건은 크레파스라는군요. 아울러 언제부터 한국 대북공작원들의 전용차가 VW CC가 된 것인지 매우 궁금합니다. [PPL]
P.S.3. 잠시 삼천포로 빠졌다가 다시 본연의 자세로 돌아온 김성균. 역시 반갑더군요.
P.S.4. '용의자'에 대한 관객의 만족도를 생각하면, 하정우 주연 '황해'도 좀 결말을 바꿨으면 어땠을까 하는 아쉬움이.
결론부터 말하자면 '변호인'은 매우 뜨거운 영화입니다. 영화를 보다 보면 그 뜨거움이 득이 되는 경우도, 해가 되는 경우도 보입니다. 하지만 막상 극장에서 공개된 뒤에는 그 뜨거움이 영화의 완성도에 앞서 관객들을 끌어들이는 데 성공하고 있는 듯 합니다. 그런 면에서 '변호인'은 매우 상업적인(!) 영화라고 할 수 있습니다.
무슨 거창한 의무감으로 이 영화를 추천할 생각은 전혀 없습니다. 이 영화는 송강호의 매력이 살아 있는, 잘 만들어진 휴먼 코미디 영화로 충분히 추천할 만한 가치가 있습니다. 감동으로 소름이 끼치는 영웅담을 기대하신다면, 다른 영화를 보시는 게 낫지 않을까 싶습니다.^
줄거리.
상고 출신 변호사 송우석(송강호)은 '돈을 벌기 위해' 판사직을 때려치고 부산에서 변호사로 개업합니다. 학벌과 집안 같은 배경이 없던 송우석은 변호사들이 마다하던 부동산 등기 등을 취급하며 승승장구해 이름을 알립니다.
세무 변호사로 출세일로를 걷던 우석은 어느날 친하게 지내던 국밥집 아주머니(김영애)의 아들 진우(임시완)가 행방불명됐다는 소식에 도움을 주다 진우의 몸에 있는 고문의 흔적을 발견하고 충격을 받습니다. 이날부터 그는 서슬이 시퍼런 군사정권 아래서 용공 조작 사건의 변호인을 맡아 인생의 전기를 마련합니다.
영화의 전반은 매우 잔잔한 영웅담입니다. 자신의 표현대로 '몸뚱아리 하나밖에' 없던 우석은 오직 자신만의 힘으로 부와 명성을 획득한 이 사회의 성공 모델입니다. 당연히 기득권층이고, 사회의 혼란이 그에게 해가 되는 사람입니다.
그런 그가 어느날 자신의 안온한 삶을 버리고(극중 사무장 박동호 역을 맡은 오달수의 대사에도 나옵니다. "송변, 오늘부로 니 편안한 인생, 니가 포기한기다") 누가 봐도 손해뿐인 '민주 투사'의 길을 걷게 된 이유는 무엇일까요. 영화 '변호인'의 가장 뛰어난 부분은 그 '이유'에 대한 설명입니다.
진우의 고문과 수사라는 것의 실체를 알게 된 우석은 이 영화의 명대사 중 하나를 내뱉습니다. "이러면 안되는 거잖아요." 여기서 '이러면 안된다'의 기준은 우리가 흔히 이야기하는 '보편적 상식의 선'이라고 할 수 있습니다.
물론 사람마다 '상식'의 기준은 모두 다릅니다. 하지만 소위 민주국가, 선진국이라고 불리고 싶은 나라라면 그 국민들이 향유할 수 있는 '최소한의 선' 이라는 게 분명 존재합니다. 이를테면 한 나라의 국민이 다른 나라 사법 기관에 의해 부당한 처우를 받아선 안된다, 어떤 이유에서건 사람들이 현행범도 아닌데 두들겨맞고 끌려가선 안 된다, 고문 등으로 자백을 강요받아선 안 된다...
그러니까 변호사 송우석은 어떤 사상이나 의식에 의해 이 사건의 변호인으로 나선 것이 아닙니다. 그저 '최소한의 상식' 에 반하는 일이 일어나는 것을 막기 위해 나선 것이죠. 그리고 이 부분에서 바로 영화 '변호인'은 많은 관객들 앞에서 설득력을 발휘합니다.
흥미로운 것은 그 대척점에 서 있는 고문 경관 차동영(곽도원)입니다. 양우석 감독이 그러낸 차동영은 그저 출세가 목표이거나, 위에서 내려온 명령이라서가 아니라 '빨갱이를 때려잡는다'는 것을 자신의 소명으로 생각하는 확신범입니다. 한국 영화에 지금껏 등장했던 대부분의 2차원적 악역들과는 달리, 인물 설계가 입체적입니다. 일제하 고등계 형사였던 차동영의 아버지는 6.25때 - 어째서 피난을 못 갔는지 모르겠지만 - 인민군 혹은 좌익 세력에게 '학살'당한 것으로 설명됩니다. 그 결과 차동영은 북한과 공산주의에 대한 철저한 적개심을 갖게 됐을 것으로 추정할 수 있습니다.
그의 대사인 "나같은 사람이 빨갱이를 청소해주고 있으니까 당신 같은 사람이 발뻗고 잘난체 하며 잘 살 수 있는 거야(죄송합니다. 재현이 정확하지 않을 수 있습니다.^^), 격투중에도 국기강하식에 예의를 잊지 않는 차동영의 모습은 그의 내면에 있는 '나는 애국자'라는 확신을 보여줍니다.
이런 형태의 애국자 캐릭터는 이제는 고전이 되어 가는 영화 '어 퓨 굿맨'의 잭 니콜슨을 떠올리게 합니다. 그들이 생각하는 '국가 보위'의 큰 목표를 위해서는 사소한 악은 눈 감아 줄 수 있어야 한다는 굳은 신념을 지닌 인물이죠. 단순히 '악'을 상징하는 인물이 아닙니다. '변호인'은 단순한 흑백 논리의 대립이 아닌, 좀 더 깊은 생각을 요구하는 영화로 만들어졌습니다.
('적'을 상대하기 위해 우리 안의 도덕적 원칙을 얼마나 배신해도 좋으냐 하는 주제를 다룬 영화는 적지 않습니다. 스필버그의 '뮌헨'을 비롯해 캐서린 비글로의 지난해 화제작 '제로 다크 서티'에 이르기까지, 테러와 싸우기 위해선 같은 악마가 되어도 좋으냐는 '상식'의 문제는 현대 사회의 가장 큰 고민 중의 하나입니다. 물론 '변호인'은 그에 대한 영화가 아니기 때문에 차동영에 대한 더 깊은 묘사는 없습니다.
고전 영화 '케인호의 반란'을 리메이크한 로버트 알트만 감독의 1988년작 '케인 호의 반란'은 원작에서 그저 함장의 권력에 집착한 미치광이로만 묘사됐던 퀵 선장에 대해 색다른 해석을 제시합니다. 변호인인 바니가 이런 말을 하죠. "그래도 우리 유태인들이 아우슈비츠에 가지 않게 해 준건 퀵 선장 같은 사람이 독일과 싸워 준 덕분이야. 그래서 난 이 재판에 대해 수치심을 느껴." 뭐 할 얘기는 많지만 이 얘기는 여기까지만.)
영화 전편을 통해 가장 빛나는 인물은 당연히 송강호입니다. 속물에서 소신을 가진 인물로 거듭나는 변호사 송우석. 이 캐릭터가 빛을 발하는 것은 역시 송강호라는 명배우에 의해 그 인물이 구현됐기 때문이라는 걸 누구도 부인할 수 없습니다. 또 '송우석의 변화' 그래프가 관객에게도 자연스러운 곡선으로 느껴지는 것은 물론 양우석 감독의 솜씨일 것입니다.
그밖에 꼼꼼한 80년대 초반의 그림, '보통 사람'으로서 자기 역할을 제대로 뽑아먹는 오달수, 몇 장면 안 나오지만 존재감은 기대 이상인 이성민 등이 모두 탄탄한 그림을 그려냅니다. 결론적으로 '변호인'은 올해 한국 영화가 낳은 마지막 화제작으로 추천할 만한 가치가 충분한 영화입니다.
다만 몇몇 부분의 완성도는 아쉬움을 남깁니다. 일단 이 영화가 갖고 있는 약간 어정쩡한 스탠스의 문제입니다. 이 영화는 첫 자막과 마지막 자막이 모순 관계라는 흥미로운 특징을 갖고 있습니다. '특정 인물의 전기 영화가 아니라 어느 정도 픽션임'을 알리는 자막으로 시작하지만, 끝날 때에는 '실제 일어난 일을 재현한 장면'임을 알리는 자막이 올라옵니다('부산 지역 변호사 142명 중...'으로 시작하는 자막 말입니다). 만드는 사람의 입장에선 이 영화가 둘 중 어떤 노선을 선택하고 있는가를 좀 더 분명히 하는 것이 좋지 않았을까 싶습니다.
같은 맥락에서, 차도영을 증인석에 앉힌 송우석의 모습은 그때까지 지켜져 온 영화의 룰, '이 영화는 리얼리티를 살린 실제 사회의 물리 법칙을 따른다'는 설정을 한방에 날려 버립니다. 갑자기 영화의 성격이 달라져 버린다고나 할까요. 옆 자리에 앉은 동료 변호사의 한마디는 관객의 심정을 대변해 주기도 합니다. "그럼 *, ****** 라고 할 줄 알았나?"
호오가 엇갈리는 마지막 장면에 대해선 긍정적인 평가를 내리고 싶습니다. '죽은 시인의 사회'를 말하는 사람도 있지만 개인적으론 스탠리 큐브릭의 '스파르타쿠스'를 떠올렸습니다. 다만 이 장면에서, 변호사들 역을 맡은 단역배우들이 미숙한 연기로 몰입감을 떨어뜨리는 점은 이 영화의 가장 큰 오점일 수도 있을 듯 합니다.
문득 "'살인의 추억'에서는 논바닥의 시체도 등으로 연기를 한다"는 과거의 표현이 생각나는 대목입니다.
마지막으로 이 영화가 '정치적인 반향'을 일으키는 것은 어쩌면 당연한 일이라고 생각합니다만, 그건 참 안습입니다.
80년대에 대학을 다닌 사람으로서 분명히 말하자면, 그 시절 대학가 운동권 세력 가운데에는 분명 '용공'의 선을 넘어 북한의 주의 주장에 동조하는 학생들이 있었습니다. 네. 당시의 시국 관련 사건으로 조사받거나 처벌받은 사람들이 모두 억울한 피해자인 것은 아닙니다. 하지만 분명히, 몇몇 사건의 경우 이 영화와 비슷한 불법적 고문과 폭행이 자행됐고, 그로 인해 억울하게 인생을 망가뜨린 피해자가 꽤 많이 있었습니다. 이 선에서 더 앞으로 나가지 못하고 다람쥐 쳇바퀴처럼 맴도는 한, 이 영화가 전하고자 하는 메시지엔 절대 도달하지 못합니다.
위에서도 말했듯 이 영화가 가장 강조하고 있는 것은무려 30년도 넘은 옛날,'상식이 통하지 않던 시절에 상식을 되찾기 위한 노력이 얼마나 힘든 것이었나'에 대한 이야기입니다. 묘하게도 자꾸 이 영화가 어딘가 당금의 현실과 관련이 있는 것으로 느껴진다면, 그건 이 영화의 문제가 아니라 이 시대의 문제가 아닐까요.
1편에서 간신히 오크들의 추격을 뿌리친 소린(리처드 아미티지)과 난쟁이들, 그리고 빌보(마틴 프리먼)는 목적지 외로운산으로 가기 위해 어두운 숲을 가로지르는 여정을 선택합니다. 하지만 너무나 자연스럽게 다시 위기에 빠지고, 숲속 요정들에게 구원을 받았다가 다시 요정들의 감옥에 갇혔다가, 간신히 빠져나와 인간들이 사는 호수 마을, 에스가로스까지 가게 됩니다. 여전히 오크들은 이들을 뒤쫓고 있습니다.
호수 마을의 민중 지도자 바르드(루크 에반스)는 난쟁이들이 예레보르의 옛 성으로 가 보물을 노릴 경우 스마우그의 분노를 사 마을에 피해가 올 것이라고 경고하지만 마을 영주와 대다수 주민들은 난쟁이들이 찾은 보물을 나눠 가질 생각에 이들을 환영하며, 물자를 주어 외로운산으로 보냅니다. 그리고 이들은 당연히...성에서 보물의 산을 지키고 있는 거대한 용 스마우그를 만납니다.
속편이 있는 영화들이 대부분 숫자로 불리는 데 비해 피터 잭슨의 '반지의 제왕' 연작들은 독자적인 제목을 부각시키는 데 성공했다는 점이 큰 의미를 갖습니다. 여기에 가장 근접했다고 할 수 있는 '스타워즈' 시리즈도 '제국의 역습'이나 '돌아온 제다이', '보이지 않는 위협' 같은 제목들이 꽤 인식되긴 했지만 그래도 압도적으로 '에피소드 1~6'이라는 명칭이 널리 쓰이죠. 하지만 '두개의 탑'이나 '왕의 귀환'을 '반지2'나 '반지3'으로 부르는 사람은 거의 못 봤습니다. 그만치 각 에피소드의 독립성 면에서는 괄목할만한 업적입니다.
(물론 이런 경우에도 1편의 부제를 기억하는 사람은 거의 없죠.^^ '반지의 제왕' 첫편은 '반지원정대'라는 제목 대신 그냥 '반지의 제왕'이라고 불리고, '스타워즈'도 '에피소드4'는 '새로운 희망'이라는 제목 대신 그냥 '에피소드4'나 아예 '스타워즈'로 불리곤 합니다. 이것도 흥미로운 특징입니다.)
'호빗' 시리즈 역시 같은 방향으로 가고 있습니다. 1편의 부제가 '뜻밖의 여정'이라는 걸 기억하는 사람은 별로 없습니다. 그냥 '호빗'이거나 '호빗 1편' 정도로 통하고 있죠. 거기에 비하면 '스마우그의 폐허'는 꽤 알려진 제목이 될 듯 합니다만, 블록버스터 사상 이 영화만큼 독특한 2편도 아마 없을 듯 합니다. 이런 대작 영화 시리즈 가운데 이렇게 '야심이라곤 없는' 소박한 2편은 본 적이 없기 때문입니다.
무슨 말인지 이해하려면, 흔히 3부작으로 알려진 수많은 영화 가운데, 처음부터 '이건 3부작이 아니면 안돼'라는 생각으로 시작한 영화는 거의 없다는 점을 생각하셔야 합니다. '대부3'? '대부'나 '대부2'가 만들어질 때만 해도 계획에 없던 작품입니다. 세르지오 레오네의 '무법자' 시리즈? 천만의 말씀입니다. 이미 3편이 넘어갔지만 '터미네이터'나 '인디애나 존스'도 마찬가지. 즉 이들 영화들은 모두 2편 째가 확실히 성공하지 않았다면 3편은 꿈도 꿀 수 없었던 작품들입니다.
'반지의 제왕'은 확실히 처음부터 3부작으로 기획된 작품이었지만 이 역시도 2편째인 '두개의 탑'이 참혹하게 무너졌다면 3편은 그냥 쓰레기통으로 직행할 수도 있었겠죠. 그런 만큼, '두개의 탑'은 그 자체로 기승전결을 갖추고 있고, 장대한 클라이막스가 있습니다. 인간-요정 연합군과 오크 군대가 대규모로 격돌하는 헬름 협곡의 대전투는 로만 군대의 멋진 돌격과 함께 확실한 볼거리를 제공해 줍니다. 비록 실제 전투에서 가능한 양상과는 정 반대의 이상한 싸움이긴 하지만, 어쨌든 '두개의 탑'의 이 전투 신은 많은 사람들이 '왕의 귀환'에 나오는 미나스 티리스 수성전, 즉 펠레노르 평원의 대전투보다 더 좋아하는 명장면이기도 합니다.
요약하면, '두개의 탑'은 2편만 떼 놓아도 훌륭한 하나의 상품이 될 수 있는 영화입니다.
하지만, '스마우그의 폐허'는 그만한 야심이 전혀 보이지 않습니다. 이 영화가 갖고 있는 것은 아주, 정말, 매우, 명백히 1편과 3편을 이어 주는 허리 기능 뿐입니다. 1편은 난쟁이들과 빌보가 어떻게 만나는지, 그리고 고블린이나 오크들과 이번엔 어떤 액션을 펼치는지, 난쟁이들의 캐릭터는 어떤지, 간달프를 비롯한 1편 출연진들은 얼마나 변했는지(엄밀히 말하면 '옛날엔 어땠는지')를 보여주는 미덕이 있습니다. 그리고 내년에 나올 3편에선, 바르드와 인간들이 어떻게 스마우그와 싸우는지, 그리고 대규모로 집결한 고블린 및 오크 군대와 인간-요정-난쟁이 연합군이 어떻게 싸우는지가 화려한 볼거리로 작용할 것입니다.
그런데 거기 비해 2편엔 정말 들어간 재료가 별 게 없습니다.^^
'호빗: 스마우그의 폐허'가 새롭게 보여주는 거라곤 아르웬의 공백을 메울(?) 새로운 엘프 타우리엘(에반젤린 릴리)과 인간 영웅 바르드의 등장, 그리고 이미 검증된 카드인 레골라스의 재등장 정도입니다. 액션으로도 나무통을 타고 가는 급류타기 놀이 정도? 물론 이 영화에서 가장 힘을 준 부분은 성 안에서 잠자고 있던 거대한 용 스마우그(베네딕트 컴버배치의 목소리라고 미리 가르쳐주지 않으면 절대 알아차릴 수 없는 목소리^^)의 등장이긴 합니다.
수많은 동화판 '호빗'의 삽화가들이 이런 모습으로 상상했던 스마우그를 '드디어' 공개하는 장면인 것이죠. 하지만 이미 스필버그의 '주라기 공원'에서 심형래의 '용가리'까지 수많은 용과 괴물들을 보아 온 관객들에게 이 스마우그의 모습이 - 아, 물론 대단히 멋지긴 하지만 - 기절할 정도로 놀라운 장면일 리는 없겠죠.
아마도이 '스마우그의 폐허'에서 가장 인상적인 장면은 바로 이 장면, 그러니까 거대한 보물의 산 속에서 잠자고 있던 스마우그가 스르르 눈을 뜨고 그 사악함과 강대함을 단번에 드러내는 장면일 듯 합니다.
하지만 지금까지 '반지의 제왕' 연작을 5편째 보고 있는 관객이 이 정도로 만족할 리는 당연히 없고, 피터 잭슨과 그 휘하의 선수들 역시 그럴 리는 없다는 걸 너무나 잘 알고 있을 상황입니다. 만약 이 2편만으로 독립된 만족감을 주려 했다면, 2편은 스마우그가 호수 마을로 날아가서 인간들과 격렬한 전투를 벌이고 그 다음에 ******** 되는 (스포일러 생략) 내용까지를 커버했어야 했을 겁니다.
그런데 피터 잭슨은 그렇게 하지 않고, 스마우그의 공격과 마지막 대결전을 3편에 모두 몰아넣었습니다. 이건 정말 영화 사상 보기 힘든 자신감입니다. 그런 볼거리 없이도 관객을 극장으로 끌고 올 수 있다는, 그리고 '호빗'을 봤다고 얘기하려면 1,2,3편을 다 봐야 한다는, 세 편 중에서 재미있는 두 편만 골라 볼 수는 없을 거라는 자신감인 것이죠. 이런 자신감을 갖고 2편을 만든 감독은 아마도 피터 잭슨 이전엔 없었을 겁니다.
(물론 제작 일정이 촉박해서 도저히 여기까지밖에 만들 수 없었을 가능성...도 있지만, 그런 경우라면 대개의 영화들은 차라리 개봉 시기를 늦춥니다. 그러지 않고 2편은 그냥 '2013년 크리스마스'에 풀겠다는 결정은 어지간해선 내릴 수가 없다는 것이죠.)
아, 물론 너무나 당연한 얘기지만, 눈높이를 조금만 낮추면, '스마우그의 폐허'는 그 자체로 충분히 재미있는 영화입니다. 그리고 피터 잭슨과 이 시리즈의 팬이라면 그가 이 '호빗: 스마우그의 폐허'를 통해 전하고자 하는 메시지를 잘 이해하실 거라고 믿습니다. "이봐, 어차피 끝까지 다 볼 거잖아. 그러니까 2편 하나가 재미있네 재미없네, 실망이네 아니네 하는 투정은 집어 치워. 그리고 2편이 헐거워 진 대신, 3편에서 다 보충해 주겠어. 알았지? 삐지지 마."
P.S.1. 누가 봐도 춥고, 습기차고, 정말 살기 힘들 것 같은 북유럽 풍의 호수마을. 이 미술팀은 정말 최곱니다.
P.S.2. 이번엔 HFR로 보지 않고 그냥 2D로 봤기 때문에 지난번 '호빗: 뜻밖의 여정' 때와 같은 이질감 - 야외 신인데도 세트처럼 보이는 이상한 비현실감 - 은 전혀 느끼지 못했습니다. 이번에도 HFR로 보신 분들은 그 사이 좀 적응이 되셨는지, 아니면 이번에도 이상했는지 궁금합니다.
P.S.3. '호빗'과 사우론을 연결시키려는 노력은 글쎄... 굳이 그렇게 하지 않아도 '호빗'과 '반지의 제왕'이 연장선상에 있다는 것을 모를 관객이 과연 있을까요. '호빗' 때 이미 사우론의 재림이 노출됐다면, 간달프와 엘론드, 갈라드리엘 같은 지도자들이 그 긴 세월 동안 아무런 대비 없이 세월을 허송하고 있었다는 게 더욱 한심해지지 말입니다.
P.S.4. 강대한 힘을 가진 스마우그와 사우론은 어떤 관계일까요? 같은 편? 서로 인정하는 사이? ^^
P.S.5. 레골라스를 보니 더욱 아라곤과 아르웬이 그리워집니다. 김리는 뭐, 이제 구별도 잘 안되고... 킬리와 타우리엘의 관계를 보면 역시 킬리는 드워프계의 허경환이었다는 점이 분명해집니다. "이만큼 생겼으면 키는 좀 작아도 되잖아!"^^
영화 '관상'이 폭발적인 흥행을 기록하고 있습니다. 이미 시사회를 거치면서 예견됐던 일이기도 합니다. 송강호 이정재 김혜수 백윤식 조정석 이종석으로 시작하는 초 호화 캐스팅과 계유정난이라는 잘 알려진 역사적 사건, 그리고 과연 '관상이란 과연 운명을 지배하는 것인가'라는 흡인력 있는 주제가 관객들의 관심을 사로잡은 결과입니다.
좋은 배우들의 열연은 '관상'의 가창 큰 힘입니다. 영화 초반은 송강호와 조정석의 착착 감기는 유머에 김혜수의 존재감이 영화를 풀어 갑니다. 후반은 잔혹무도한 수양대군(이 영화에서는 확실히 그렇습니다) 역을 맡은 이정재의 오만방자함이 힘을 발휘하죠. 이 배우들 보는 맛 만으로도 충분히 영화를 끌고 갈 수 있을 정도입니다.
하지만 이 영화가 무엇을 이야기하려 한 것인가를 생각해 보면 조금은 고개를 갸웃거리게 됩니다. 네. '관상'이란 영화는 대체 '관상'에 대해 어떤 생각을 갖고 있었는지가 매우 궁금해집니다.
줄거리.
보는 즉시 그 사람의 모든 것을 알아차린다는 관상의 대가 내경(송강호)은 처남 팽헌(조정석), 아들 진형(이종석)과 함께 어느 바닷가 시골에 묻혀 살다 도성의 유명한 기생 행수 연홍(김혜수)의 방문을 받습니다. 관상의 사업적 가치를 알고 있던 연홍이 내경의 소문을 듣고 한양으로 불러 올리려 한 것입니다.
비록 관상쟁이가 됐지만 내경과 진형은 모두 역모죄로 처단된 양반의 자손. 아버지가 관상 보는 것을 싫어하는 진형은 어쨌든 선비답게 글공부를 해야 하는 게 아니냐고 주장하고, 역적의 자손이 출세하는 것은 애당초 불가능한 일임을 잘 아는 내경은 이런 진형을 못마땅하게 생각합니다. 곡절 끝에 내경과 팽헌은 도성으로 향하고 진형은 절로 들어가 공부를 계속합니다.
도성에서 내경과 팽헌이 마주한 것은 세종이 승하하고 문종이 등극한 직후의 천하. 호시탐탐 왕위를 노리는 수양대군(이정재)과, 이에 맞서 문종-단종 부자를 보호하려는 김종서(백윤식)의 편으로 세상이 나뉘고 있는 사이 내경은 자신의 재능을 이용해 집안을 다시 일으켜 보려 합니다. (여기까지)
'관상'의 초반은 매우 활기차게 시작합니다. 15세기판 납뜩이 팽헌으로 변신한 조정석은 끊임없이 촉새 짓을 하고, 가끔씩 이를 눌러 주면서 오히려 웃음을 증폭시키는 송강호의 천연덕스러운 연기는 관객들을 쉽게 빨아들입니다.
하지만 영화 후반부, 특히 내경이 김종서를 만난 뒤부터 이야기는 조금씩 무거워지기 시작하고, 그 다음부터는 미리 놓인 철길을 따라 흘러가는 느낌을 줍니다. 역사의 갈 길이 이미 정해져 있다는 것은 모든 관객이 알고 있지만, 영화 후반만 놓고 보면 내경은 존재감이 너무 미약해져 버립니다. 역사의 흐름을 바꾸기 위해 내경이 하는 생각이나 행동이 관객의 기대에 미치지 못하기 때문입니다.
(더 자세히 얘기하면 줄거리를 건드리기 때문에 이 정도만. 궁금하신 분들은 저 아래쪽을 읽어 보세요.)
그럼에도 불구하고 이 영화를 살려내는 것은 단연 배우들의 힘입니다. 이름만 대도 대한민국이 다 아는 명배우들은 장면 장면마다 매력적인 커트를 내놓더군요. 특히 후반부, 한명회의 얼굴이 어둠 속에서 드러나는 신은 배우 김의성의 소름끼치는 표정과 함께 관객의 기억에 남을 만한 명장면을 만들어 냅니다. (문득 왕년 조니 뎁 주연 영화 '프롬 헬'에서 이안 홈의 눈동자 색이 바뀌던 장면이 떠오르더군요.)
그밖에도 관객을 사로잡는 요소들은 충분합니다. 치밀한 고증보다는 상상력의 소산이겠지만 조선시대 기방의 화려하고 방자한 모습이나, 황토빛이 도는 유려한 영상, 수양대군과 수하들의 공격적인 모습이 잘 드러난 야외 신 등에서의 미술은 보는 눈을 즐겁게 합니다.
종합적으로 볼 때 이 정도면 추석 연휴를 앞둔 관객들에게 훌륭한 볼거리가 될 듯 합니다. 특히나 조정석, 이종석 팬들에겐 좋은 선물이 될 듯 합니다.
P.S. 개인적으로 영화 첫 부분에서 '아마데우스'가 떠올랐습니다.^^
P.S.2. 충분히 의도된 것이겠지만 이 영화 속 송강호의 얼굴은 참 윤두서 자화상을 떠올리게 하더군요.
자, 기본적으로 여기까지.
더 아래로 내려가시는 분들은 줄거리에 노출되실 수도 있습니다.
영화를 안 보신 분들은 여기서 멈춰 주시기 바랍니다.
그럼 2부 시작.
영화 '관상'은 누구나 결말을 다 알고 있는 역사적 사건을 배경으로 하고 있습니다. 그리고 이 영화의 전제는 '관상이라는 것이 있고, 그를 통해 사람의 운명을 꿰뚫어 보는 것이 가능하다'는 것입니다.
그런데 영화 '관상'은 흘러가던 도중 갑자기 변화구를 시도합니다. 김종서를 만나고 죽음의 위협을 경험하기 전까지 내경은 백발백중의 귀신같은 실력을 발휘합니다. 처음 만난 연홍의 속내를 한눈에 꿰뚫고, 관상만 보고 살인사건의 범인을 찾아내고, 탐관오리를 적발해 내는 실력이 있습니다. (그리고 나중에도, 한명회의 경우엔 죽은 다음의 일까지 예측해 냅니다.)
하지만 이런 놀라운 능력이 어느 순간 갑자기 뚝 떨어져 버립니다. 이를테면 김종서가 호랑이의 길상을 가진 인물이란 것을 알아내지만, 그가 비명횡사하고 멸문을 당할 팔자라는 것은 읽어내지 못하는 것이죠. 마찬가지로 수양대군이 잔혹하고 탐욕스러운 성품이라는 것은 읽어 내지만 그가 왕위에 오를 팔자인지 아닌지는 모릅니다.
이 뿐만이 아닙니다. 정말 관상이라는 것을 제대로 읽는 것이 가능하다면 내경은 문종이 곧 죽을 것이라는 점, 단종이 오래 살지 못할 것이란 점, 또 김종서의 측근들은 모두 일찍 죽고 집안이 몰락할 것이라는 점, 반면 수양대군의 측근들은 모두 부귀영화를 누릴 상이라는 점 등을 맞춰 낼 수 있어야 합니다.
(비록 영화 속에서 죽은 여자의 경우처럼 '무병장수할 관상이라도 상대를 잘못 만나면 비명횡사 할 수 있다'는 단서가 있지만, 그럼 양쪽 진영의 사람들이 함께 있어 길한 관상인지 흉한 관상인지 정도는 짚어 내야 하는 게 아닐까 하는 생각이 드는 것이죠.)
내경은 "나는 파도만 바라보고 있었지, 바람을 보지 못했다. 파도를 만드는 건 바람인데"라고 합니다. 하지만 반대로, 누구나 파도를 보고 바람을 읽습니다. 파도가 동쪽에서 치면 동풍이 불고 있다는 뜻이죠. 수양대군의 측근 신숙주가 부귀영화를 누릴 관상이고, 김종서의 측근 황보인이 비명횡사할 팔자라면(물론 영화 속 내경은 이 자체를 읽어내지 못하지만) 어느 쪽이 승자가 될 운명인지는 너무 당연하게 읽혀야 합니다. 그런데 그러지 못하죠.
내경이 생명의 위협을 겪은 뒤에도 계속 관상쟁이 노릇을 하는 것은 첫째, 김종서의 부름이 있은 뒤 역적의 후손으로 망해버린 집안을 다시 일으킬 수 있을 것이라는 점, 둘째는 이름을 바꾸고 벼슬길에 들어선 아들 진형의 앞날에 대한 걱정 때문입니다. 비록 내경이 문종과 단종에게 충신 역할을 하지만 이건 당대의 세도가인 김종서 곁에서 보호를 받기 위한 것일 뿐, 그가 자진해서 문종이나 단종의 안위를 걱정하기 때문은 아닙니다. 설정상 선량한 사람이긴 하지만 '자신과 아들 진형의 앞날을 위해' 편을 선택한 것 뿐입니다.
그렇기 때문에 그는 마지막까지 '김종서가 죽으면 우리 다 죽는다'며 수양대군의 김종서 살해 현장에서도 끝까지 김종서를 보호하려 합니다. 만약 그가 '누가 역사의 승자가 될 지'를 관상을 통해 읽어냈더라면 당연히 수양대군 쪽으로 편을 바꿨을 겁니다. 하지만 그렇게 하지 못하는 것은, 그에게 그런 능력이 없기 때문입니다.
내경이 무능한 관상쟁이로 바뀌면서 영화는 점점 무거워지고 갈 길이 뻔해집니다. 내경이 더 이상 사람들의 얼굴에서 아무 것도 읽어내지 못하게 된 이상, 앞으로 보여질 내용들은 내경이 자기 주변 사람들에게 한 저주가 실현되는 과정 뿐입니다. (영화 초반, 내경은 진형에게 "벼슬길에 나가면 화를 당할 관상"이라고 했고, 처남 팽헌에게는 "성질을 못 이기면 신세 망칠 관상"라고 했죠.)
이런 주장에 대해 혹시 어떤 분들은 애당초 처음부터, 영화 '관상'이 생각한 관상의 힘은 한 사람의 '능력치와 성격'을 읽어 내는 것이지 '운명이나 미래'를 읽어 내는 것은 아니었다고 항변하실 지도 모르겠습니다. 물론 그렇게 볼만한 여지도 충분히 있습니다. 그렇게 처음부터 '관상의 힘'을 제한된 것으로 설정해 놓고 들어갔다고 하면 내경의 능력이 갑자기 줄어드는 것이 아니라는 설명은 가능할 수 있습니다.
하지만 그로 인해 이야기의 매력이 반감되는 것을 피하기는 쉽지 않습니다. 처음부터 그 정도의 능력이라면 애당초 내경에게 역사를 바꿀 어떤 기회를 기대하는 것 조차 큰 의미가 없기 때문입니다. 인물 됨됨이를 파악하는 정도의 능력이라면 아무리 김종서가 신임한다 해도, 그가 할 수 있는 것은 극히 제한된 일들일 뿐입니다. 아울러 문종 앞에 선 내경이 "그 인물과 행동거지를 함께 보면 과거의 일 뿐만 아니라 미래도 충분히 짐작할 수 있다"고 한 이야기가 매우 공허해지는 것이죠.
내경에게 진정 미래를 꿰뚫는 능력을 인정하되, '그럼에도 바꿀 수 없는 운명의 힘'을 보여주는 극적 장치를 좀 더 정교하게 보여주었더라면, 혹은 운명의 힘을 직감하면서도 그를 바꾸기 위해 필사적으로 노력해야 할만한 동기를 내경에게 부여했더라면, '관상'은 지금보다 훨씬 더 매력적인 영화가 되지 않았을까 하는 생각입니다.
P.S.3. 이 영화에서 가장 와 닿는 말은 수양대군의 대사 "하지만 나는 이미 왕인데, 이제 와서 내가 왕이 될 관상이라고 하면 그걸 맞춘다고 할 수 있나?" 입니다. 이 세상의 가짜 예언자들과 아부꾼들에게 던지는 메시지라고 할까요. 결과적으로 "관상이란게 무슨 쓸모가 있어?"라는 뜻으로 읽힐 수 있는 말입니다. 그렇다면 그동안 수양대군은 왜 내경에게 계속 "내가 왕이 될 상인가?"라고 물어 본 것일까요.
세상을 향한 냉소가 넘쳐나는 시대. 세상을 향한 분노와 좌절이 바뀐 것이 냉소라고는 하지만, 실제로 주변을 돌아 보면 비뚤어진 비아냥만으로 뭔가를 바꿀 수 있다고 생각하는 듯한 사람들이 많이 눈에 띕니다.
영화 '더 테러 라이브'는 아직 분노 위에 서 있는 영화입니다. 그러면서도 차분하게 할 말을 다 하고 있습니다. 미디어의 본질에 대한 통찰은 약간 과장되어 있기는 하지만, 그래도 감히 누가 반론을 제기하기는 힘들 정도로 대중이 느끼는 분노와 맞닿아 있습니다.
그리고 무엇보다 가장 강력한 장점은, 아무래도 촘촘한 플롯이라고 해야 할 듯.
어느날 오전 9시를 넘긴 시간. 라디오 시사 프로그램을 진행하고 있는 윤영화(하정우)는 얼마 전 모종의 비리 사건으로 인해 마감 뉴스 앵커 자리에서 밀려난 충격을 아직 극복하지 못하고 있는 상태. 청취자와의 전화 연결 코너에 엉뚱한 남자가 전화를 걸어 옵니다. 그리고 그 남자는 "내가 폭탄을 갖고 있는데, 자꾸 이러면 터뜨리겠다"고 말합니다.
짜증스럽게 구는 남자의 태도에 "그래, 터뜨리려면 터뜨려봐"라고 욕설로 맞받아 친 윤영화. 하지만 얼마 뒤, 방송국에서 뻔히 보이는 마포대교가 폭발로 끊어집니다. 그리고 윤영화는 이 사건이, 구겨진 자신의 입지를 다시 펼 수 있는 절호의 기회라는 사실을 본능적으로 알아차립니다.
테러범이 다시 전화를 걸어 올 것이라고 확신한 그는 이를 빌미로 차대은 국장(이경영)에게 자신이 이 상황을 생방송으로 진행하는 조건으로 거래를 펼칩니다.
영화는 두어 시간 동안 실제로 일어나는 사건들을 긴박감 넘치게 보여주지만, 실제로 영화가 드나드는 공간은 좁은 라디오 스튜디오와 그 조정실 뿐입니다. 이른바 밀실 서스펜스죠.
'더 테러 라이브'를 본 많은 사람들이 흑백영화의 고전인 시드니 루멧의 '12인의 성난 사람들(12 angry men)'을 떠올립니다. 배심원 회의실이라는 고정된 공간 안에서 12명의 사람들이 처음 보기엔 너무나 뻔했던 한 사건에 대한 의견을 조금씩 변화시켜 나가는 과정을 그린 작품이죠. 이 작품이 세대를 넘어 수작으로 꼽히는 가장 큰 이유는 거대한 액션 없이도, 총격전이나 자동차 추격전 없이 사람들 사이의 대화 만으로도 '관객이 손에 땀을 쥘 수 있는' 스릴감을 충분히 자아낼 수 있다는 것을 보여줬기 때문입니다.
'더 테러 라이브'의 가장 큰 강점은 이 '대화가 주는 긴박감'을 제대로 이해했다는 데 있습니다. 너무나도 당연한 얘기지만 같은 사건을 보는 각 등장인물들이 모두 제 역할을 하고 있습니다. 그렇기 때문에 두 사람이 주고 받는 대화에서 서로의 수 싸움이 제대로 느껴지고, 대화를 통해 실제 변화가 이뤄지고 있다는 강렬한 느낌을 받을 수 있습니다.
굳이 비교를 하자면, '현재 벌어지고 있는 사건'을 그리고 있는 '제7광구'나 '타워'같은 영화의 대본과 비교해 볼 수 있습니다. 두 영화 모두 부지런히 폭발음과 화염이 터지고 사람이 죽어 나가지만, 막상 '사람과 사람'이 대화를 나누는 장면은 지루하기 짝이 없습니다. 배우들에게 주어진 대사가 극중 캐릭터의 눈으로 사건을 보고 있지 않고, 그저 뻔하게 상황을 묘사하고 있을 뿐이기 때문입니다.
두 영화를 예로 들었지만 안타깝게도, 한국 영화 가운데 '더 테러 라이브' 수준으로 팽팽한 긴장감을 느끼게 해 주는 '현장의 대사'가 살아 있었던 작품을 꼽기가 쉽지 않습니다. 있다면 좀 추천해 주시기 바랍니다.
그리고 뭐니 뭐니 해도 이 영화는 '분노'에 대한 영화입니다. '내가 뭔가 억울한 일을 당했을 때, 누가 과연 나의 편을 들어 줄까'하는 질문은 아마 누구나 마음 한 구석에 담아 두고 있을 겁니다. 날이 갈수록 사회 안에서 '위쪽과 아래쪽' 사이의 거리가 멀어지는 느낌. 세상 사람들의 공분을 제대로 대변하고 있다는 점 또한 대단한 강점입니다.
물론 '더 테러 라이브'가 완벽한 리얼리티를 갖추고 있는 영화는 아닙니다. 개연성이 떨어지는 장면도 분명 있습니다. 실제 방송국 안에서 일어나는 일들에 대해서는 아무래도 '에이 아무리 그래도 어떻게 저렇게까지...' 싶은 부분이 꽤 있죠. (무전 너머로 들리는 "반드시 사살하세요"같은 장면도... 이건 좀 오버.)
그리고 또 한가지, 반드시 빠뜨리면 안 될 부분은 '테러범과의 생중계' 자체가 과연 해도 좋은 일인가에 대한 생각입니다. 얼마 전 있었던 성재기 남성연대 대표의 마포대교 투신 사건 때에도 현장에서 이 장면을 촬영한 방송사 카메라에 대한 비난이 쏟아진 적이 있습니다.
극중 윤영화는 테러범과의 전화통화를 생중계하기 직전, 리드 멘트로 '국민의 알 권리 차원에서' 테러범과의 대화를 내보낸다고 얘기합니다. 스페인 영화 '떼시스'에서 방송 앵커가 스너프 필름을 방송하는 이유를 댈 때에도 '국민의 알 권리'를 앞세우죠. 많은 사람들이 이 부분을 그냥 간과하지만, 김병우 감독이 꼬집고 싶었던 방송의 행태에 대한 비판은 이 부분에 담겨 있습니다.
아주 오래 전, 한국에서도 분신 자살이라는 용어가 미디어에 등장할 때, 어느 매체 사진 기자가 지나가던 시민들에게 폭행당하는 장면이 외신을 탄 적이 있습니다. 분신해 떨어진 사람의 몸에 붙은 불을 끄고 구급차를 부르는 대신 사진을 찍고 있었다는 이유에서였습니다.
현장에서는 가끔 이런 일이 일어납니다. 수단 내전이 한창이던 1993년, 수없이 많은 사람들이 기근과 전란으로 죽어가던 시절, 유아에서 벗어나지 못한 소녀가 죽으면 곧바로 먹이로 삼으려는 듯한 독수리의 모습이 담긴 사진입니다.
이 유명한 사진으로 1994년 퓰리처상을 받은 사진작가 케빈 카터는 "아이를 구할 생각은 없고 사진으로 유명해지겠다는 생각만 있었던 거냐"는 극심한 비난에 시달립니다. 그는 '20여분 동안 새와 아이를 한 프레임에 담기 위해 노력했다'고는 얘기했지만, '그 뒤에 아이가 어떻게 됐느냐'는 질문에는 아무 대답도 하지 못했기 때문입니다. 이대로라면 그 20여분 사이에 새가 아이를 덮쳤어도 그는 그냥 사진을 찍고 있었을지도 몰랐고, 또 사진을 찍은 뒤에 아이에게 어떤 도움을 주려고 노력하지도 않았다는 얘기가 되겠죠. 결국 그는 1994년 자살로 삶을 마감합니다. 이 사진으로 인한 죄책감이 직접적인 원인인지는 밝혀지지 않았습니다.
이런 과정에서 항상 변명거리처럼 등장하는 것이 '대중의 알 권리'입니다. 기자라면 대중의 알 권리를 최우선으로 생각해야 하고, 그 과정에서 인간적으로 지켜야 할 것들이 있다는 사실이 가끔은 잊혀지기도 합니다. 독수리의 먹이가 될 위기에 있는 소녀를 촬영하는 것이나, 테러범과의 대화를 그대로 생방송하는 것은 전혀 다른 사례인 것 같지만 사실은 매우 유사한 사안입니다. 둘 다 '대중의 알 권리'를 위해 그보다 상위에 놓여야 할 다른 가치들을 무시한 사건들이기 때문입니다.
과연 방송은 테러범과의 통화 내용을 그대로 내보내도 좋을까요. '더 테러 라이브'에서 대다수 관객들은 테러범에게 감정이입되기 때문에, 그래서 오히려 테러범의 말에 많은 사람들이 귀를 기울여 주는 것이 오히려 정의롭게 보이기 때문에 이 부분에 문제가 있다는 것은 그냥 넘어가곤 합니다.
하지만 이 테러범이 이런 테러범이 아니라 진짜 테러리스트라면, 절대 생방송에 출연시켜서는 안됩니다.정말 위험한 메시지를 일반에게 퍼뜨리려는 목적을 가진 자들이라면, 이들의 목소리가 그대로 걸러지지 않고 방송을 타는 것은 말도 안 되는 일입니다. 이와 유사하게, '어쨌든 인질들을 살려야 하기 때문에' 정부는 협상에 나서고 양보를 해서는 안됩니다. 이 영화에서는 부정적으로 그려졌지만, '어떤 이유에서든 테러범과 협상하지 않는다'는 태도 자체에 문제는 없습니다.
하지만 '더 테러 라이브'를 잘못 읽으면, 이런 문제점은 의식하지 못하고 넘어갈 수도 있습니다. 많은 사람들이 이 영화를 보고 나서 '언론이 힘 있고 돈 있는 사람 편만 드는 방송'을 욕하지만, 이 시점에서 진짜 걱정해야 할 대상은 바로 '시청률이면 무슨 짓이든 다 하려는' 미디어입니다. 이 부분을 그냥 지나치고 '대중의 공분'에만 초점을 맞추면 이 영화를 봐도 봤다고 할 수 없겠죠.
이 영화를 이끌어가는 배우는 말하자면 다섯명. 대테러대책반 반장 역을 맡은 전혜진과 이지수 기자 역을 맡은 김소진, 그리고 테러범 역을 맡은.... (스포일러) 모두 좋은 연기를 보여줍니다. 사실 하정우는 전형적인 앵커라기엔 너무 다혈질이지만, 그래도 그 연기가 없었다면 이 영화가 성립하기 힘들었을지도.
어쨌든 '더 테러 라이브'는 마땅히 '올해의 영화'로 꼽힐만한 수작입니다. 젊은 김병우 감독이 다음에는 어떤 작품을 내놓을지 벌써부터 기다려집니다.
P.S. 아래는 그냥 웃자는 이야기입니다.
마포대교 폭파 장면. 왼쪽에 63빌딩이 보이는 걸로 보아 마포 쪽에서 여의도 방향을 보고 찍은 장면입니다. 그런데 잘 보면 63빌딩 옆에 국회의사당이 있고, 마포대교 바로 옆에 있어야 할 쌍둥이 빌딩은 어디로 갔는지 없습니다.^^
하정우가 보는 각도는 이렇습니다. 오른족으로 쌍둥이 빌딩의 일부가 보이는.... 곳에는 방송사가 없습니다. 위치상 가장 가까운 곳은 MBC지만 그 건물에서 마포대교를 보는 건 불가능합니다. IFC 정도의 위치라고 보면 되겠군요.^^
이미 '설국열차'에 대해서는 너무 많은 논평이 등장해 있습니다. 영화 속 상징들에 대해 온갖 종류의 해석을 한 리뷰들에서부터, 봉준호 감독 본인이 나서 '그건 이런 의도'라고 해석한 인터뷰에 이르기까지, 영화와 관련된 읽을 거리가 넘쳐납니다.
이 글은 이 영화의 미덕을 칭찬하기 위해 쓰여진 글은 아닙니다(그런 글들은 이미 너무 많이 나와 있습니다). 그리고 이 영화가 깨시민을 옹호하는 것이냐, 아니냐를 놓고 논쟁할 생각도 없습니다. 본격적인 상징 해석도 아닙니다. 요나가 성경에 나오는 그 요나를 뜻하는 거라든가, 불의 등장이 인류의 문화 발달 단계를 의미하는 거라든가 하는 얘기를 원하는 분들은 다른 글을 보시기 바랍니다.
영화를 보면서 조금 껄끄러웠던 부분, 그리고 어딘가 아쉬웠던 부분에 대해 생각나는 대로 써 봤습니다. 스포일러가 닥치는 대로 노출되어 있으니영화를 안 보신 분들은 보지 말아 주시기 바랍니다.
영화를 보신 분들을 대상으로 하고 있으니 줄거리 생략.
1. 왜 열차인가.
만약 별도의 연료 지원 없이도 영원히 멈추지 않는 영구기관이 있다면, 그리고 그걸로 얼어붙은 지구에서 인류 문명을 어떻게든 유지해야 한다면, 그 수단을 열차로 선택하는 건 정말 바보같은 짓입니다.
당연히 정지된 상태에서 이 영구기관의 에너지를 이용해 뭔가 해 보는게 훨씬 효율적이겠죠. 기차를 쓰면 외부인의 접근을 막을 수 있다는 장점이 있지만, 웬만한 배리어만 친다면 어차피 설정이 온 세계가 다 얼어붙은 상황인데 접근할 수 있는 사람이 누가 있겠습니까.
그런데도 굳이 열차다. 물론 '왜 열차인가'는 기차를 리드하는 인물 윌포드(에드 해리스)를 '기차에 미친 사람'으로 설정한 것으로 어느 정도 해명이 가능합니다. 미친 사람이 무슨 짓을 못하겠습니까. (일단 '왜 그 영구기관의 기술을 윌포드만 갖고 있느냐'는 질문 역시 그렇습니다. 미친 사람이라는데 뭘 따지겠습니까.)
다소 찜찜하긴 하지만 미쳤다니까 넘어갑니다.^
2. 혁명에 대한 오해
많은 사람들이 이 열차 안에서 일어나는 일들을 고전적인 혁명 이야기로 받아들이곤 합니다. 하지만 그렇게만 보기엔 간단치 않은 부분이 있습니다.
이를테면 맨 뒷칸의 승객들은 고전적인 시각에서 볼때 '착취당하는 민중'이 아닙니다. 이들은 기차가 달리게 하는 데 어떤 노동력을 제공하지도 않고, 그냥 윌포드로부터 열차 공간과 식량을 제공받을 뿐입니다. 영화 속 논리에 따르면 어쩌다 어린이 한두명과 바이올린 연주자 정도를 얻어간 듯 한데, 역시 영화 속 사람들의 반응으로 보아 이런 일이 자주 있었던 것 같지는 않습니다.
이들의 혁명에서 가장 큰 명분은 무엇일까요. '인류의 유일한 생존 공간이 기차 안이기 때문에 모든 사람이 그 기차 안의 자원을 동등하게 공유할 자격이 있다'는 것은 다소 납득하기 어려운 부분이 있습니다. 영화 안에서도 언급되듯, 맨 뒤칸 사람들은 이 기차와 아무 인연이 없는 사람들로, 우연히 윌포드의 선의(?)에 의해 승차한 - 타지 않았으면 동사했을 - 사람들이기 때문입니다.
커티스(크리스 에반스) 일행이 원하는 것은 결국 '휴머니즘의 차원에서, 열차 안의 자원을 모든 사람이 공유, 생활의 질이 다 같이 떨어지더라도 전체 인원의 보다 나은 삶을 추구하자'는 것인데, '앞칸 사람들이 누리고 있는 것이 뒷칸 사람들로부터 빼앗은 것이냐'는 질문에 '그렇다'고 답을 할 수가 없는 상황이기 때문에 이 혁명(?)의 정당성에 대해서는 의문부호를 붙일 수밖에 없습니다.
커티스는 "앞칸에 도달하면 (윌포드를 포함해) 거기 있는 자들을 다 죽여버리겠다"고 말합니다. 이런 대사는 봉준호 감독에게 이들이 꿈꾸는 '체제 전복'에 정당성을 부여하려는 의도는 별로 없음을 읽을 수 있게 합니다. 굳이 말하자면 이 이야기는 전통적인 계급갈등에서 오는 혁명 이야기라기 보다는 '남보다 나은 삶을 지향하는 인간의 본능에 대한 이야기'라고 할 수 있을 듯 합니다.
(여담이지만 이 영화의 설정대로라면, 커티스 일행은 '왜 앞칸 인간들만 잘 먹고 잘 사는가'를 생각하기 전에, '대체 왜 윌포드는 도움될 것 하나 없는 뒤칸 인간들을 프로틴 바를 먹여 가며 기차에 싣고 다니는가'를 궁금해 했어야 할 듯 합니다.
사실 혁명의 성공 가능성이라는 것도, 윌포드 일행이 최초의 소요가 일어난 순간 귀찮은 뒤칸을 아예 떼어 내 버리지 않는다는 가정하에 가능한 것이기 때문입니다. 대체 뭣 때문에 윌포드는 적잖은 경비 인력을 희생시켜가며 정기적으로 소요를 일으켜 온 뒷칸을 유지해 온 것일까, 거기에 대해 커티스가 의문을 제기하지 않는 것이 제게는 참 이상했습니다.)
3. 은유와 액션 월드 사이
'설국열차'에서 기차는 모든 사람이 다 아다시피 거대한 상징입니다. 이런 기차가 현실적으로 존재할 수 있는 가능성, 주인공 일행이 휘젓고 다니는 각 열차 칸의 의미 등등은 도저히 합리적인 설명이 불가능합니다.
뭐 영화 설정상으로 1000개의 칸이 있다고 하니 꼭 필요하지만 비쳐지지 않은 칸(예를 들어 앞칸 사람들이 먹는 스테이크를 공급하기 위한 육류 육성 칸 - 또는 인조 고기 생산을 위한 공장 칸) 들도 꽤 있었을 겁니다. 아무튼 커티스 일행이 지나치는 대부분의 공간, 학교나 기타 앞칸 승객들을 위한 생활공간 등은 모두 리얼리티보다는 상징을 위한 공간일 뿐입니다.
그런데 또 이런 공간을 무대로 펼쳐지는 액션들은 필요 이상의 리얼리티를 강요합니다. 몽둥이와 칼, 살과 뼈가 마주치는 대결의 현장이기 때문이죠. 그런데 이런 리얼한 액션은 수시로 리얼리티와 단절된 상징적인 공간과 맞닥뜨립니다. 예를 들면 앞칸에서 열심히 남궁민수와 커티스를 추격하던 분노한 앞칸 승객들은 어느 순간에 증발해 버립니다. 또 뒤칸으로부터 성화를 봉송(?)해 앞칸에서의 싸움을 이끄는 장면은 그동안 통과해 온 열차의 길이나, 이들이 통과해야 할 터널의 길이를 생각할 때 도대체 얘깃거리가 되질 않습니다.
그러니까 이런 사소한 부분들, 어디까지를 상징의 세계로 보고 어디부터를 물리법칙이 지배하는 리얼리티의 세계로 보아야 하는가 하는 점에서 '설국열차'는 상당히 불친절한 영화입니다.
봉준호 감독의 전작 '괴물'에서는 식구들이 식사하는 장면 가운데 딸 고아성의 유령이 나타나 식구들이 주는 밥을 먹는 장면이 갑자기 삽입됩니다. 리얼리티의 세계 안에 불쑥 등장한 은유의 세계인 것이죠. 이 장면이 별 괴리 없이 받아들여질 수 있는 것은 영화 전체가, '어쨌든 이런 괴물이 존재한다'는 것을 전제로 한 리얼리티의 세계였기 때문인 것이죠. 하지만 '설국열차'는 상징적으로 존재하는 세계와 물리적 법칙의 지배를 받는 세계가 너무 자주 교차하면서 상당 부분 설득력을 떨어뜨렸다는 생각이 듭니다.
아마도 꽤 많은 관객들이 이 영화를 보고 난 뒤 불편함을 털어놓은 데에는 이런 이유도 상당히 크게 작용한 것이 아닐까 싶습니다.
4. 종교의 역할
이 영화에는 두 번, 사람의 머리 위에 신발을 얹는 장면이 나옵니다. 사람의 신분과 위치에 대한 비유로 사용됐습니다.
선종 불교의 지혜를 담은 '벽암록'이라는 책이 있습니다. 이 책에는 '남전참묘南泉斬描'와 '조주대혜趙州戴鞋'라는 두 가지 화두가 나옵니다. 큰 스님인 남전이 두 법당의 승려들이 고양이 한마리를 놓고 서로 싸우는 광경을 보고 "누구든 이 고양이를 살려야 한다고 말하지 않으면 이 고양이를 죽이겠다"고 말합니다. 아무도 감히 입을 열지 않아 스님은 고양이의 목을 쳐 버립니다. 뒤늦게 절로 돌아와 이 소식을 들은 제자 조주는 스승 남전에게 아무 말도 하지 않고, 자신의 신발을 집어 머리 위에 얹은 채 방으로 들어갑니다. 이를 본 남전은 "조주가 있었다면 고양이를 살렸을 것을..."하며 탄식했다는 이야기입니다.
대단히 난해한 화두입니다. 해설서들을 봐도 분명한 해석이 되어 있지 않지만, 오히려 '논리로 해석할 수 있다면 오히려 선불교의 화두가 아닐 것'이라는 주장도 있습니다. 아무튼 신발을 머리에 얹는다는 것은 가치의 전도를 말하는 것이며, 이렇게 전도된 가치를 갖고(살생금지의 계율에 대한 금지를 깨 가면서) 누구에게 진리를 전달할 수 있겠느냐는 힐난의 의미로 해석할 수 있는 장면입니다.
이 화두가 과연 '설국열차' 속의 장면들과 어느 정도 관련이 있을지는 생각하기 나름인 듯 합니다. 미시마 유키오가 그의 대표작 '금각사'에서 이 화두를 사용했듯, 근본적인 가치의 전도를 위한 소도구였는지도 모르겠습니다.
이 장면 외에도 두어 장면에서 불교의 가르침을 연상시키는 부분들이 있습니다. 윌포드가 커티스에게 '저 불쌍한 애욕에 물든 중생들에게 진정한 삶을 살 수 있도록 이끌어 주는 기차 운영자(=부처?)의 길'에 대해서 설명하는 부분이 그랬고, 또 길리엄(존 허트)이 맨 뒷칸에서 행했다는 자비행의 모습이 그랬다고 할 수 있겠습니다.
자기 살을 베어 이웃을 먹인다는 장면도 - 뭔가 삼국유사에 나오는 혜숙선사와 구담공의 고사를 연상시킵니다 - 종교적인 가치 없이 설명하기 참 힘든 부분입니다. 이런 자기 희생을 통한 감화와 리더십의 획득이야말로 종교의 핵심이기 때문입니다. (길리엄에 대한 이야기는 다음 항목에서 계속)
아무튼 이런 시각에서 보면 '설국열차'는 종교의 허구성과 위선을 정면으로 지적하는 영화가 됩니다. 윌포드가 주장하던 초월자의 시점이나, 길리엄의 희생이나, 결국은 지배자의 의도를 실현하기 위한 도구였을 뿐이니까요.
5. 길리엄의 배신
길리엄은 윌포드에 의해 파견된 언더커버 요원입니다. 그의 역할은 일단 무질서가 지배하던 뒤칸 인간들 사이에 사랑과 인류애를 되찾게 하고, 일정 수준의 질서를 부여하는 것입니다. 그리고 나서는 윌포드와의 사전 협의에 따라 일정 수준의 희망을 지속적으로 부여합니다.
즉 '언젠가는 혁명에 의해 우리도 앞칸을 차지할 날이 올 것'이라는 기대를 포기하지 않게 하겠다는 것이죠. 이를 통해 윌포드는 뒷칸 승객들이 일정수 이상의 개체수를 보존하면서 소멸하지도 번성하지도 않는 수준으로 유지되기를 기대한 것입니다. (이런 식으로 위에서 말한 어린이나 바이올리니스트의 공급원으로 활용하려는 의도...였다는 것이 '설국열차'의 설명입니다.)
그러던 어느날, 길리엄은 윌포드를 배신합니다. 그들에게 허용되었어야 했던 진출선을 넘어, 물 공급 칸을 넘어 진격하는 것이죠. 그리고 커티스에게 말합니다. "윌포드를 만나면 말할 기회를 주지 말고 죽여" 라고. 이 말은 곧, 윌포드가 커티스를 만나면 '나와 길리엄은 본래 같은 편'이라는 말을 하고 설득에 나설 것임을 알기 때문에 한 얘기입니다.
그렇다면 길리엄은 왜 윌포드를 배신한 것일까요. 기존 사회의 질서 유지에 이바지하던 종교의 몇몇 지도자들이 체제 전복에 나섰던 전례는 적지 않습니다. 이른바 민중신학에 뛰어든 남미 카톨릭 신부들을 연상시키는 모습입니다.
6. 제3의 선택은 있나
윌포드의 '체제 유지를 위한 노력'에 설득되기 직전, 커티스는 그런 체제 유지가 어린이들의 희생을 통해 가능하다는 것을 알아차리고 배신감을 느낍니다.
그렇다면 대체 인류는 이 상황에서 어떤 선택을 해야 하는 것일까요. 어린이들의 희생이 비인도적이기 때문에 그 자리에서 기차를 멈추고 절멸의 길을 가야 하는 것일까요, 아니면 어떤 식으로든 '합리적으로' 어린이를 희생시키는 방안을 선택해야 하는 것일까요. 즉 '인류의 소멸을 전제로한 인도주의의 실현'과 '소수의 희생을 통한 인류의 유지' 중에서 어느 것이 더 의미 있는 실천인가 하는 질문입니다.
실제 이런 상황이라면 과연 각자는 어떤 선택을 할지 매우 궁금합니다만, '설국열차'는 여기서 제3의 길을 제시합니다. 남궁민수(송강호)가 주장하는 '기차 밖에서의 삶'입니다.
'인도주의자'에겐 참 다행스러운 선택이지만, 선택지를 하나 더 늘려도 사실 선택은 어렵습니다. 1) 어린이들을 몇 희생시키더라도 인류 문명의 유지를 위해 어쩔 수 없다고 판단한다 2) 어린이를 몇 희생시키느니, 인류 공멸이 더 도덕적으로 옳다 3) 둘 다 피하고 싶으니 기차를 세우고, 비록 가능성은 미지수지만, 기차 밖에서 새로운 문명을 세우는 쪽을 선택한다.
여러분의 선택은 어떻습니까?
7. 결말은 희망?
이 부분은 사실 좀 실망스럽습니다. 심하게 개연성이 떨어지기 때문입니다.
만약 백곰이 - 비록 지구상에 남은 유일한 단 한마리의 백곰이라 해도 - 17년 동안 살아 있을 수 있다면 그건 17년 동안, 생태계의 최고 포식자인 백곰 한 마리를 먹여 살리기 위해 존재했던 먹이들의 생태계가 존재했다는 이야기가 됩니다. 다시 말해 백곰의 먹이인 바다표범이 있었다면, 바다표범을 먹여살리기 위한 물고기가 있었을 것이고, 그 물고기가 있으려면 플랑크톤과 얼지 않은 바다가, 그리고 플랑크톤을 위해선 광합성을 위한 햇살이 있었을 거란 얘기죠.
2013년 현재 인류의 과학 기술 수준으로 볼 때, 백곰이 살아남을 수 있는 수준의 생태계가 보존되어 있다면 인류가 절멸했을 가능성은 없다고 봐도 좋을 듯 합니다. 100분1로 줄든, 1000분의 1로 줄든 절대 불가능하지 않겠죠. (위의 운행도를 보면 설날이 며칠 지난 뒤, 설국열차는 아프리카나 아랍 어딘가 정도를 지나고 있을 겁니다.^^)
아무튼 다 그렇다 치고, 남궁민수가 생각한대로 기차 밖에서의 삶이 가능하다 칠 때, 그 조건은 '기차 안에 있는 물자와 에너지를 동원해 밖에서 살아남는 것'일 겁니다. 영화의 결말처럼 모든 것이 다 날아가 버리고, 소녀 티를 못 벗은 여자 하나와 어린이 하나가 달랑 살아남아서 눈밭 위에 에덴을 건설할 수 있을까요. 아마도 백곰의 한끼 식사가 되는 것이 더 가능성 높은 결말은 아닐까요.
문제의 백곰이 미래에 대한 희망의 상징으로 보여지는 것이 영화의 의도였겠지만, 생각하면 할수록 과연 이것이 희망의 표상인가 하는 것에는 의문이 생깁니다.
8. 설국열차는 성공했나.
영화를 본 수많은 사람들에게 끝없이 이 영화에 대해 이야기하게 만드는 데는 큰 성공을 거뒀습니다. 일단 저 자신을 포함해 많은 사람들에게는 이것만으로도 '설국열차'는 대단히 매력적인 영화입니다.
하지만 많은 사람들이 이 영화를 보면서 그런 것을 기대하지는 않은 듯 합니다. '마더' 수준의 알듯 말듯한 수수께끼를 즐겼던 사람들에게 이 영화는 너무나 뻔한 알레고리와 다소 무리한 결말을 가진, '또 한편'의 디스토피아 영화로 느껴졌을 듯 합니다. 반면 '괴물'을 본 절대 다수의 관객들이 기대한 가족의 승리와 시원한 결말은 이 영화에 없었습니다.
생각할 거리를 잔뜩 제공했다는 점에선 환영할만한 영화였지만 과연 얼마나 많은 관객이 '설국열차'의 티켓을 사면서 그런 것을 기대할 지는 의문입니다. 다른 한 쪽에선 여전히 많은 사람들이 이 영화가 가진 미덕들 - 세계적인 명배우들의 호연, 각각의 기차 칸들이 가진 미장센의 미학, 자잘한 비유들이 가진 정답 찾기 놀이 - 를 이야기합니다만, 지금까지 지속적으로 위를 향해 그려진 '봉준호 기대 곡선'은 이번엔 약간 아래로 향했다고 말해야 할 듯 합니다.
사실 '레드2' 를 보러 가서도 '레드'의 핵심 줄거리가 생각나지 않아 당황했습니다. 3년이라면 요즘 블럭버스터의 속편 제작 주기에 비해 그리 긴 시간은 아닙니다. JJ 에이브럼스의 '스타트렉' 리부트 시리즈가 4년만에 나왔고, '다크나이트'와 '다크나이트 라이즈' 사이도 4년이었죠.
하지만그리 전통있는 프랜차이즈라고 보기 힘든 '레드'의 경우 3년은 매우 긴 시간이었다는 생각이 듭니다. 두 시리즈 간의 긴밀한 연속성을 제기하기엔 말입니다.
그럼에도 불구하고, '레드2'는 보는 시간 내내 영화의 길이를 느끼기 힘들었던 수작이었습니다. 생명존중과 같은 기본적인 윤리를 감안하면 참 막장형 영화이기도 하지만... 단순한 오락영화라고 생각하면 이만큼 충족감을 주는 영화도 흔치 않다는 생각이 듭니다. 그만큼 순도 높은 '오락만을 위한 영화' 입니다.
전작에 이어지는 이야기. 왕년의 스파이 에이스 프랭크(브루스 윌리스)는 사라(메리 루이즈 파커)와 소시민으로 알콩달콩 생활하고 있습니다. 하지만 동료 마빈(존 말코비치)은 곧 폭풍이 밀어닥칠 것이라고 경고하고, 결국 프랭크와 사라가 지켜보는 가운데 누군가 설치한 폭탄에 의해 마빈이 타고 있는 차가 폭발해버립니다[스포일러 아님]. 그리고 마빈의 장례식장에서 프랭크는 기관원들에 의해 연행됩니다.
그리고 나서 이야기는 전 세계를 무대로 전개됩니다. 프랭크 일당을 제거하기 위해 영국은 전편에서도 활약한 이들의 동료 빅토리아(헬렌 미렌)를, 미국은 세계 최고의 킬러 배한조씨(이병헌. 이 이름에 대해선 저 밑에 자세히 정리)를 기용합니다. 이들 사이에 프랭크와 과거 사연이 있었던 러시아 스파이 카티아(캐서린 제타 존스), MI6에 의해 연금된 천재 과학자 베일리(앤서니 홉킨스) 등이 엎치락 뒤치락 연루됩니다.
사실 사건의 전개 과정을 따라가는 데 뇌는 별로 쓸 필요가 없습니다. 한물 갔다고 생각했던 노장들이 실제로는 한창 팔팔한 현역들을 능가하는 기량의 소유자들이라는 스토리의 영화들은 이미 한두편이 아니죠. 최근작으로는 실베스터 스탤론 계열의 근육질 아저씨들이 대거 등장한 '익스펜더블' 시리즈가 있고, 추억의 영화로는 '지옥의 특전대'라는 제목으로 국내에 소개됐던 Wild Geese(1978) 가 있습니다.
(그런데 생각해 보니 '지옥의 특전대'의 주역인 리처드 버튼은 영화 개봉 당시 53세, 로저 무어는 51세, 리처드 해리스는 48세. 70년대에는 이 정도면 충분히 '노장'으로 불릴 만한 나이였죠. 반면 '레드2'의 브루스 윌리스는 58세, 존 말코비치는 60세. 헬렌 미렌은 68세. 앤서니 홉킨스는 76세... 평균 수명 연장과 과학의 발달에 따른 할리우드 스타 정년 연장이 실감납니다.)
아무튼 이 '지옥의 특전대' 때 이미 베테랑들의 노익장 과시 뿐만 아니라 정부의 음모에 대항한다는 주제는 완성되어 있었다고 볼 수 있습니다. 그 21세기 판인 '레드' 시리즈에서 달라진 것은 좀 더 확실해진 인명 경시 사상. 영화 시작한 지 얼마 안 되어서 존 말코비치는 아예 브루스 윌리스에게 대놓고 "사람 죽인 지 한참 지나 인생이 지루하지 않냐"고 물어볼 정도입니다.
그 강력한 힘을 갖고도 사람 하나 죽일까 말까 30분씩(물론 영화상으로. 실제 시간은 더 걸릴 수도) 고민하는 슈퍼맨이나 배트맨이 보면 경기를 일으킬 정도로 이 분들은 태연히 살인을 저지릅니다. 컴퓨터 게임보다 더 자연스럽게. 그리고 플롯이 너무 단순해 비어 보일 수 있는 영화의 틈바구니는 세계적인 명배우들이 잘 알아서 메꿔 줍니다.
그 중에서도 가장 빛나는 배우는 '여왕 폐하' 헬렌 미렌. 아마도 이 영화에서 헬렌 미렌이 미친 척 하기 위해 읊조리는 대사는 세실 어쩌고 하는 대목으로 봐서 2005년 출연했던 BBC 사극 '엘리자베스 1세'에 나오는 것들이 아닌가 싶습니다. 그리고 다 아시다시피 '더 퀸'에서는 현역 여왕 역으로 오스카를 따냈죠. (사실 정통 셰익스피어 극 출신인 이 양반은 젊어선 존 부어맨의 '엑스칼리버'에서 모르가나 여왕 역으로 팜므 파탈의 위용을 떨친 분입니다.)
아무튼 그런 관록을 스스로 희화화하기라도 하듯, 이 영화에서 미렌은 카리스마 넘치는 코믹 연기(영화를 보시면 이게 말이 된다는 걸 납득할 수 있습니다^^)로 관객을 압도합니다. 특히 이병헌이 운전하는 차 안에서의 액션을 보면 '아. 이 영화의 주인공은 헬렌 미렌이구나' 하는 생각을 절로 하게 됩니다.
물론 한국 관객들은 이 영화를 냉정하게 평가할 수 없을지도 모르겠습니다. 사실 이 영화는 박지성이 출전하는 맨유 경기나 류현진이 던지는 다저스 경기와 비슷한 느낌을 주기 때문입니다. 결과적으로 이병헌이 이 영화에서 어떻게 다뤄지는가가 매우 중요한 요건이 되는데, 이 무시무시한 배우들 속에서 이병헌의 모습을 보는 것은 그 자체로 충분히 즐거움을 줍니다.
굳이 비교를 하자면 '토르'의 아사노 타다노부 등에 비해 훨씬 돋보이는 역할이라 마음이 놓였습니다. 아쉬움이 있다면 '지아이조' 시리즈에 이어 너무 자객 이미지가 강화되는 게 아닌가 하는 생각도 들긴 합니다만, 사나다 히로유키의 '라스트 사무라이'처럼 딱 맞춤으로 떨어지는 작품이 주어지지 않는 이상 아시아 출신의 남자 배우가 할리우드에서 이름과 얼굴을 알리자면 더 나은 선택이 있을 것 같지 않습니다. 아무튼 적지 않은 나이에 영어 연기에 도전해 이 정도의 성취를 거뒀다는 것만으로도 충분히 칭찬받을 만 합니다.
이 영화의 흥행 성과가 썩 시원치는 않아 이제 알 수 없는 상황이 됐지만, 만약 '레드3'가 만들어진다면 이병헌의 역할은 '꽃보다 할배'의 이서진이 될 수도 있을 듯 합니다. (해외의 이병헌 팬들은 이 영화를 통해 한국어의 '좆됐다'가 무슨 뜻인지 알았겠죠.^^)
나머지 배우들은 '딱 다 알만한 캐릭터'를 '딱 다 납득이 갈 만한 수준'으로 연기해 줍니다. 아쉬움도 없고, 그렇다고 큰 기대흘 할 만큼도 아닙니다. 극장에서 가치관이 바뀌기를 기대하지 않는 분이라면 충분히 만족할만한 오락 영화. 인생의 의미나 구원의 메시지를 찾고 있는 분들에겐 비추. 당연히 헬렌 미렌이나 존 말코비치를 모르는 분들에게도 비추.
P.S. 이병헌의 극중 캐릭터 이름은 Han Cho Bai 인데 이게 한국 이름이라면 '배한조'라고 봐야겠죠^^. 뭐 한일관계에 대해 전혀 모르는 미국 제작진이 이 캐릭터의 킬러 이미지를 강화하기 위해 일본의 전설적인 닌자 핫토리 한조의 이름에서 대강 섞어 만든 듯 합니다만... 뭐 이런 영화에 그런 디테일까지 기대하기는 힘들 겠죠.
IMDB에 따르면 극중 이병헌의 어린 시절 사진에 나오는 분은 실제 이병헌의 아버지라고 합니다. 확인해 보지는 않았는데 아마 맞을 듯?
군사 마니아들이나 시사에 밝은 분들은 잘 아시겠지만 한국 해군이 참가하는 국제 기동훈련 가운데 림팩(RIMPAC)이라는 것이 있습니다. 풀 네임은 'Rim of the Pacific Exercise' 인데 약자로 만들지 않고 가장 중요한 pacific과 rim만 따서 그냥 림팩이라고 부르는 것이죠.
Rim of Pacific 이라고 쓰거나, Pacific Rim이라고 쓰거나, 결론은 모두 '태평양 연안(국)'을 말합니다. 그래서 처음엔 이 영화의 제목만 들었을 때 혹시 림팩 훈련과 관련 있는 해양 액션물인가 생각한 적도 있었습니다.
아무튼 아는 사람들 사이에선 올 여름 최대의 기대작이었던 이 영화, 결코 기대를 저버리지 않는 엄청난 물건이었습니다.
줄거리는 단순한 정도를 넘어섭니다. 2020년 언저리의 어느날, 갑자기 바다 속에서 카이주가 나타나 샌프란시스코를 공격합니다. 군의 출동으로 진압에 성공하지만 점점 강해지는 카이주에 맞서 싸우기 위해 인류는 거대 로봇 예거를 만들어냅니다. 그렇게 해서 인류는 거의 20년에 걸쳐 카이주와의 전쟁을 펼칩니다.
미국을 대표하는 예거 '집시 데인저'를 조종하던 에이스 파일럿 롤리 베켓(찰리 허냄)은 전투의 충격으로 일선을 떠나 공사판(?)을 전전하던 도중 옛 상관 팬터코스트 장군(이드리스 엘바)의 방문을 받습니다. 뭐 이유는 너무나 뻔합니다. 인류를 구하기 위한 최후의 결전을 준비하자는 사연인 것이죠.
(이미 잘 아시겠지만 Jaeger는 독일어서 hunter라는 뜻, 그리고 카이주는 한자로 怪獸, 바로 우리가 보통 부르는 그 괴수의 일본식 발음입니다.)
아무튼 미리 말하자면, 이런 류의 '로봇 대 괴수'의 차고 때리고 부수는 대혈전을 실사로 볼 날을 꿈꿔왔던 많은 관객들에게 이 영화는 그야말로 꿈의 실현입니다. 신의 선물이죠. 그 밖의 분들은... 글쎄, 잘 모르겠습니다. 개인적으로는 대만족. 기쁨의 눈물을 흘리면서 봤습니다.
이 영화의 국내 예매자 가운데 40~50대 남성의 비율이 무척 높았다는 것은 아무래도 '자녀들을 위한 예매'만으로 보기 힘든 요소가 있다고 생각됩니다. 일본 로봇 만화의 전성기는 아무래도 70~80년대까지. 물론 90년대의 청춘들에겐 에반게리온이 있고, 이른바 '건담 왕조'라고 할만한 건담 시리즈는 최근까지도 계속해서 재생산되고 있지만 아무래도 진정한 메카물의 시대는 나가이 고의 마징가 연작과 겟타 로보가 활약하던 무렵이 아닐까 합니다.
물론 '퍼시픽 림'은 메카물의 재현인 동시에, '울트라맨'에서 '고질라' 시리즈를 거쳐 '아이젠버그'로 이어지는 특촬물의 전통을 충실히 계승한 작품입니다. DNA를 보자면 애니메이션의 실사화라기 보다는 특촬물의 고급화라고 보는 쪽이 더 정확할 수도 있겠습니다. 아무튼 감독이면서 시나리오에도 참여한 기예르모 델 토로는 이 영화를 만들면서 일본적인 상상력에 많은 부분을 빚지고 있음을 전혀 감추지 않았습니다. 스스로 이 영화의 로봇에 가장 많은 영향을 준 작품으로 '철인 28호'를 꼽기도 했죠.
액션의 사이즈를 보면 확실히 '퍼시픽 림'은 '마징가'보다는 '고질라' 류의 계승입니다(사진은 고질라의 라이벌인 가메라). 마징가Z가 20m 이내, 건담 시리즈가 30~40m인데 이 영화의 예거와 카이주들은 100m 언저리의 신장을 갖췄습니다(그렇습니다. '트랜스포머'류 보다 훨씬 큽니다). 꼬리 길이를 합해 200m라는 고질라급의 체격이죠. 어쨌든 이 덩치들이 펼치는 액션은 인류 역사상 최대 규모라 해도 과언이 아닙니다.
전통의 계승이 충실히 이뤄지다 보니, 돈 들인 티가 좔좔 흐르는 화면 한 구석에서도 어딘가 어린 시절에 보았던 괴수물을 다시 보는 듯한 정서가 살아있음을 느끼게 됩니다. 괴수들이 도시 한복판에서 쿵쿵거리고 싸우는 동안 마분지로 만든 듯한 고층건물들이 무너지고 불타오르는 70년대 특촬물의 저렴한 느낌 말입니다. 특히나 어린 마코가 파괴된 도쿄 한복판에 숨어 있는 장면은 '고질라' 시리즈 중 한 장면을 그대로 가져온 듯한 착각이 들 정도입니다.
제목에 있는 질문의 답은 이렇습니다. '강렬하게 추억을 자극하기 때문'입니다.^
어린 시절에는 잘 몰랐지만 메카물이 갖고 있는 현실적인 근거(혹은 현실적으로 보이기 위한 플롯)는 너무나 초라합니다. 일단 그런 초대형 로봇이 걸어서 이동한다는 것 자체가 무리인데다, 사용하는 무기나 기타 동작이 전혀 물리적인 기반을 갖추지 않고 있기 때문입니다.
만화영화일 때에는 누가 뭐라 따지지 못할 수도 있지만, 만약 이걸 실사판 영화로 바꾸어 놓는다고 하면 엄청나게 유치하게 보일 곳들이 한둘이 아닙니다.
(아마도 이 '철인28호'를 비롯해 일본에서 만들어진 수많은 애니메이션의 실사판 영화들이 개봉하자마자 욕설의 집중포화를 맞고 나오는 족족 침몰한 것도 이런 요소들을 지나치게 단순하게 생각했기 때문이 아닐까 하는 생각이 듭니다.)
기예르모 델 토로는 이런 요소를 충분히 고려해 지금까지 만들어진 것들 가운데 '가장 그럴싸하게 움직이는' 대형 로봇을 창조했습니다.
전투 장소까지 수십대의 대형 헬리콥터에 의해 이동하는 모습이나 로봇을 보관하기 위한 거대한 도크, 그리고 그런 전투가 가능하게 하기 위해 움직이는 엄청난 수의 보조 인력 등은 '로봇 만화'를 그냥 실사로 바꾸는 선을 넘어서, 어떻게 해서든 그런 로봇이 실제로 존재할 수 있다는 개연성을 부여하기 위해 세심하게 배치되어 있습니다.
물론 그렇다고 해서 수천톤 무게의 로봇이 펀치를 날리며 싸운다든가, 고공에서 맨땅에 떨어져도 멀쩡하다든가 하는 '애당초 말이 안 되는' 요소들이 사라지지는 않습니다. 그래도 감독의 이런 세심한 노력 덕분에 '퍼시픽 림'을 보는 눈은 대단히 즐겁습니다.
그리고 '말이 되게 하기 위해' 일반 관객들이 과거 로봇물에 대해 갖고 있는 거의 무한정의 기대를 희생하지 않았다는 점 또한 칭찬할 만 합니다. 두 사람이 서로의 뇌를 공유해야 로봇이 전력을 발휘해 싸울 수 있다든가 하는 드리프트라는 독특한 설정(어쩌면 '아이젠버그'에 나오는 '영이 철이 크로스!'의 발전된 형태...?^^)은 이 영화가 노리고 있는 특정한 줄거리를 펼쳐 나가기 위해 필수적이지만, 관객들을 당황하게 할 정도는 아닙니다.
로봇과 파일럿이 '혼연일체(?)'가 되어야 싸울 수 있다는 설정은 이미 로봇이 공격당할 때 마다 파일럿이 그 공격당한 부위에 통증을 느끼는 일본 메카 만화의 전형적인 설정에 매우 충실한 것이기 때문에, 대다수 관객들에게 아무 무리 없이 전달됩니다.
(물론 왕년에 만화영화를 볼 때에는 좀 혼란스럽기도 했습니다. 괴수 로봇이 마징가 제트의 눈을 드릴로 후벼 팔 때, 자기 눈을 움켜쥐고 괴로워하는 쇠돌이(카부토)를 보면서, 아니 그냥 조종만 하는 줄 알았더니 어느새 마징가와 쇠돌이는 신경이 연결되어 버린 거냐, 하고 당혹감을 느끼곤 했기 때문입니다.)
(이 영화를 보고 '에반게리온' 얘기를 하시는 분들이 꽤 있는데, 연령 때문에 본 게 에반게리온밖에 없어서 그럴 수는 있겠지만, 사실 에반게리온에서는 수트 외에는 그다지 영향을 받은 게 없습니다. 아마 '철인28호'와 70년대 애니메이션을 모르시기 때문에 나온 얘기일 듯.)
뭐 델 토로가 이 그림- 고야의 '거인' - 을 연상하며 작품을 만들었다고 하는데, 이건 '진격의 거인'도 마찬가지라고 하죠.^ 이 그림이 갑자기 21세기 들어 각광받고 있는 듯.
그런데 아래 댓글 지적에 따라 찾아 보니 이 그림이 고야의 그림이 아니고 제자 아센시오 훌리오의 그림이라는 보도가 있었군요. 이 글과 직접 관련 있는 건 아니지만 참고하시기 바랍니다.
기사 내용의 일부입니다.
(프라도미술관의 19세기 작품 담당인 호세 루이스 디에스 씨도 캔버스 왼쪽 아랫부분을 확대해본 결과 AJ라는 서명을 발견했으며 이것이 고야의 제자이자 동료였던 아센시오 훌리아(Asensio Julia)의 이니셜이라는 결론을 내렸다고 말했다.
메나씨는 프라도미술관이 이 작품과 훌리야의 다른 작품들을 비교하고 추가 조사가 끝날 때까지는 이 그림이 고야의 작품이 아니라는 최종적인 결론은 유보할 것이라고 밝혔다.
사실 배우들에 대해서는 크게 언급할 거리가 없습니다. 이 영화의 주인공은 사람들이 아니라 예거들과 카이주들이기 때문입니다. 그리고 기예르모 델 토로는 이 영화를 진정 사랑할 관객들(!)이 원하는 것도 그런 요소들이라는 점을 절대 잊지 않고 있습니다.
배우들의 연기에 대해선 사실 별 기대할 게 없습니다. 그건 배우들이 그리 이름값을 할만큼 거물들이 아니어서이기도 하겠지만(뭐 이 정도 그래픽에 돈을 때려 부었는데 배우까지 비싼 인물들을 쓸 여력은 절대 없었겠죠. 특히 영화에 딱 한명 나오는 '동양인 미소녀'가 기쿠치 린코라니. 이런 젠장), 그보다는 애당초 줄거리에 별다른 공이 기울여지지 않은 작품이기 때문입니다.
그러니까 예를 들면 대략 이런 식으로 사건이 진행됩니다. "자, 이런 영화 많이 보셨죠? 이 다음에 어떤 일이 벌어질 지 대략 아시죠? 그럼 재미없는 부분은 대강 넘어갑니다?" 휘리릭.
그러다 보니 '퍼시픽 림'을 본 많은 사람들이 '비주얼은 볼만한데 뭐 내용은 하나도 없고...'라는 식의 평가를 합니다. 놀라운 일은 아닙니다. 정말 내용은 별 게 없기 때문이죠.^ 오히려 주인공 롤리가 '인간적인 갈등'이나 '사랑에 가까운 감정'을 표현하거나, 펜터코스트 장군이 전 인류의 궐기를 호소하는 명연설을 펼칠 때에도 관객들은 '왜 이런 데 시간을 낭비하지?' 같은 생각을 하게 됩니다. 그만치 '인간 대 인간이 겪는 감정'은 그냥 구색 맞추기 수준으로 들어가 있습니다.
네. 이 영화는 관객들이 "이봐, 이럴 시간 있으면 로보트를 1분이라도 더 보여주는게 어때?" 이런 생각을 가질 거라고 생각하는 사람들이 만든 것이 분명합니다.
(이건 마치 FSS...)
그래서 굳이 결론은 - 로봇과 괴수의 박진감 넘치는 결전 장면은 아마도 인류가 만들어 낸 영화 사상 최고의 볼거리라고 할 수 있을 것 같습니다. 특히 3D 효과 또한 역대 최강권입니다.얼마 전 어떤 사람이 "앞으로 모든 영화의 액션 신은 '맨 오브 스틸' 이전과 이후로 나뉠 것"이라는 말을 했는데, '퍼시픽 림'을 봤다면 자신이 얼마나 경솔했는지 느끼고 있을 듯 합니다.
하지만 그 밖의 부분들에 대해서까지 높은 점수를 주기엔 '영화'로서의 플롯과 연기 등 '인간 캐릭터들이 해결해야 할 부분'이 매우 부실합니다. 그래서 이 영화를 본 관객들의 평가는 꽤 엇갈릴 수밖에 없습니다. 만족도는 '이런 장면을 얼마나 실사로 보기를 꿈꿔왔는가'에 따라 퍽 많이 나뉠 듯 합니다. 아마 저처럼 "제발 속편, 아니면 프리퀄이라도 계속 만들어 줘!"라고 외치는 사람도 적지 않을 겁니다.
P.S. 1. '이런 영화는 한스 짐머'의 공식을 깨고 라민 자바디(Ramin Djawadi)가 맡은 음악은 영화의 분위기를 잘 살려 줍니다.
P.S.2. 미친 과학자 역으로 찰리 데이라는 배우가 나옵니다. 저는 당연히 샘 록웰인줄 알았습니다. 실수.
P.S.3. 관제탑 요원 역으로 나오는 텐도는 'Tendo Choi'라는 이름으로 보아 한국계 캐릭터인 것 같습니다. 물론 연기한 배우 클리프턴 콜린스 주니어는 아시안 혈통과는 아무 상관 없는 멕시코 계 미국인.
P.S.4. 분명 여기저기 봐도 설정엔 일본 예거가 있는데, 일본 예거가 이 영화에 나오긴 하나요? 보신 분 계시면 어느 장면인지 제보 바랍니다.
영화 '월드워Z'는 아시다시피 맥스 브룩스의 유명 원작 '세계대전Z(World War Z)'를 영화화한 작품입니다. 이 소설이 국내에 처음 소개될 무렵만 해도 많은 사람들이 '마징가Z'를 먼저 연상하는 바람에 진지한 대접을 받지 못한 요소도 있지만, 사실 '좀비 문학'이라는 것이 새로운 장르로 인정받는 데에는 국내 뿐만 아니라 해외에서도 꽤 긴 시간이 걸렸습니다.
좀비물은 책 보다는 영화에서 먼저 장르로서의 자리를 확고하게 굳혔습니다. 그 유명한 조지 로메로 감독의 70년대 좀비물은 제작자와 관객 모두를 환호하게 만든 새로운 시장의 개적을 알렸죠. 이후 다양한 방향으로 발전한 좀비물은 마침내 소설 '세계대전Z'로 하나의 기념비를 남겼고, 영화 '월드워Z' 역시 좀비 영화의 새로운 장을 열었다고 평가할 만 합니다. (물론 칭찬입니다.)
그런데, 물론 재미있게 잘 봤지만, '월드워Z'는 참 예상과는 다른 영화였습니다.
먼저 줄거리. 전 UN 조사관이었다가 은퇴한 뒤 가족과 함께 조용히 살던 제리 레인(브래드 피트)는 가족과 함께 필라델피아 시내에 나갔다가 갑작스런 좀비의 습격으로 도시가 생지옥이 되는 광경을 목격합니다. 곧이어 미국 전역, 아울러 세계 전체가 좀비의 공격으로 인류 문명이 말살될 위기에 놓였다는 것을 알게 되죠.
그리고 걸려온 한 통의 전화. UN 당시의 상관으로부터 헬리콥터를 보내주겠다는 연락이 옵니다. 간신히 탈출해 UN 소속 함대에 합류한 제리에게 "다시 현역에 복귀하는 조건으로 가족을 보호해 주겠다"는 제안이 들어옵니다. 선택의 여지가 없어진 제리는 UN의 비밀 조사단을 인솔하고 좀비 바이러스가 최초로 보고된 한국 평택(Camp Humphreys)으로 향합니다.
영화 '월드워Z'는 공개되기 전, 예고편 단계에서부터 소설 팬들로부터 엄청난 공격을 받았습니다. 원작의 설정과 매우 다른 장면들이 속출하고 있었기 때문이죠.
사실 원작은 전통적인 소설의 작법이 아닌, '좀비와 인간의 세계대전'을 가상 설정으로 두고 거기에 참가했던 여러 사람들의 인터뷰로 구성된 작품입니다. 아마도 이 원작 하나만 갖고도 이런 저런 영화를 30편 정도는 만들 수 있을 정도로 풍부한 상상력으로 만들어진 '가상 논픽션'입니다. 그런데 영화 '월드워Z'는 그런 원작의 장점을 잘 살리고 있는 영화는 분명히 아닙니다.
맥스 브룩스의 소설 '세계대전Z'와 '좀비 서바이벌 가이드'는 처음부터 좀비의 특성과 그 공략법, 현대 사회의 취약성 등에 대해 거의 완벽에 가까운 설정을 해 놓고 있습니다. 그런데 이 원작의 완벽한 설정을 영화가 상당 부분 무시하고 있기 때문에, 원작 팬들은 흥분하지 않을 수 없는 겁니다.
이를테면 소설 원작의 좀비들은 '느리고, 기본적으로 1대1에서는 인간보다 체력이 약하고, 사다리가 있어도 그걸 타고 위로 올라갈 수 없을 정도로 지능과 균형 잡힌 운동 능력이 0에 가까운' 존재들입니다. 하지만 영화 '월드워Z'의 좀비들은 거의 표범 수준으로 날렵하더군요.
'뇌를 파괴하지 않으면 그 무엇으로도 멈추게 할 수 없다'는 점에서는 소설과 영화가 일치하지만, 영화에서는 뇌가 아닌 다른 부위에 총을 맞아도 좀비들은 일단 동작을 멈추고, 거의 전투불능상태에 빠집니다. 일장일단(?)이 있지만, 목 윗부분만 남아도 쉴새없이 이빨을 딱딱 마주치며 무엇이든 물어뜯으려 드는 원작 소설 속의 좀비들보다는 어찌 보면 공포감이 덜하기도 합니다.
물론 어떤 영화도 원작 속의 설정을 100% 재현하지 못할 뿐만 아니라, 영상화를 위해선 적절한 변화를 두는 것이 훨씬 성공적인 경우도 많습니다. 하지만 영화 '월드워Z'의 경우에는 역대 어느 영화에서보다 '빠르고 전투력 강한' 좀비상을 설정하는 바람에(아무래도 '28일 후'의 영향을 받은 것이 아닐까 생각됩니다만) 영화의 진행에 다소 무리가 느껴지기도 합니다. 그래서 왜 굳이 원작과 다른 길을 갔는지 상당 부분 아쉽습니다.
원작에 나오는 생생한 인간과 좀비군단의 전투, 왜 현대의 첨단 무기가 좀비 군단을 막는데 역부족이었는지에 대한 설득력 있는 설명, 단순한 전투력 뿐만 아니라 공포심과 무기의 본질에 대한 탁월한 성찰 등이 영화에 전혀 반영되지 못한 부분이 아쉬워서 이런 이야기를 주절주절 늟어놓고 있습니다. 영화를 보신 분이라도, 이 장르에 관심이 있는 분이라면 소설 '세계대전Z'를 꼭 읽어 보시기 권합니다.
안 좋은 이야기로 시작해서 좀 그렇긴 하지만, 원작의 존재를 전제하지 않고 영화만으로 판단했을 때, '월드워Z'는 훌륭한 오락 영화입니다. 특히 좀비와 액션을 앞세운 블록버스터적인 특성보다는 온 가족용 코미디로서 탁월합니다. 예를 들어 슈퍼히어로 장르라고 가정한다면, 겉으로 보기엔 '아이언맨'이나 '다크나이트' 처럼 보이지만 실상은 '인크레더블'이나 '슈퍼배드', 혹은 '스카이 하이'에 가까운 영화였던 겁니다.
(전형적인 좀비 마니아들에게는 매우 실망스러운 얘기지만, 잔혹한 장면은 거의 없다고 봐도 좋습니다. '새벽의 황당한 저주 Shaun of the Dead' 보다도 덜 잔인합니다. 좀비 영화의 기본인 좀비의 산 사람 먹방, 사지 절단 등의 장면은 그냥 상상력으로 커버해야 할 수준입니다. 상상 이상으로 다릅니다.)
겉으로 크게 드러나지는 않지만 영화 '월드워Z'를 지배하는 건 다소 시니컬하고 허무주의적인 유머감각입니다. 사소한 좀비 패러디도 아니고, 대사 하나 하나마다 지적인 유머가 감춰져 있다고 할까요.
피트가 좀비들과 사투를 벌이고 난 뒤 아내와 나누는 전화 대화("여보. 내가 아까 전화했는데..." "응. 알아." <- 영화를 안 보신 분들은 무슨 말인지 모르시겠지만, 보신 분이라면 이 장면이 얼마나 배꼽빠지게 웃기는 장면인지 아실 수 있습니다^^) 처럼 아주 노골적으로 웃기는 장면도 있지만, 전반적으로 이 영화를 지배하고 있는 건 냉소적인 허무개그의 정서라고 할 수 있습니다. 영화 전반부에 '인류의 희망'이라며 강조하던 패스바크 교수의 운명 같은 것이 대표적인 예죠. 그래서 영화 보는 내내 진심으로 유쾌했습니다.
아울러 이 영화에선 처음부터 끝까지 가족애가 철철 넘쳐 흐릅니다. 어떻게 해서든 가족에게 돌아가려는 영웅 브래드 피트의 파란만장 일대기 - 이를테면 '오딧세이' - 인 것이죠.
이렇게 가족영화적 요소와 코미디적 요소를 강조한 작품이다 보니 이 영화는 어마어마한 물량을 투입한 제작비 2억 달러짜리 대작임에도 불구하고 그리 큰 작품으로 보이지 않습니다. 심지어 유명 배우라고는 브래드 피트 혼자 정도인데도 불구하고 제작비가 2억 달러일 정도로 비주얼에 공을 들인 영화인데, 이렇게 비주얼이 인상적이지 않다는 건 참 놀라운 일입니다.
(그나마 유명하다고 할 수 있는 데이빗 모스나 매튜 폭스는 우정 출연 수준. 물론 데이빗 모스는 그 짧은 출연 시간에도 강렬한 인상을 남기죠^. 사실 이렇게 쓰면 영화에 대한 비판인 것 같지만, 그럼에도 불구하고 이 영화는 재미있습니다. 다만, '이런 식으로 재미있게' 할 거라면 돈은 훨씬 덜 써도 좋았을 것 같다는 생각이 든다는 얘깁니다.^^)
이건 아무래도, 비록 '퀀텀 오브 솔러스'를 만들긴 했지만 본질적으로 액션 블록버스터 장르의 감독이 아닌 마크 포스터의 특징이라고 할 수 있을 듯 합니다. 하지만 이번 경우에는 인간 내면을 표현하는데 장점을 가진 그의 특기가 잘 살아난, 성공적인 결과를 볼 수 있었습니다.
아울러 영화 '월드워Z'가 이런 완성도 높은 작품이 된 데에는 매튜 마이클 카너핸(Matthew Michael Carnahan)이라는 각본가의 공로를 빼놓을 수는 없을 거라는 생각이 듭니다. 전작들인 'Lions for Lambs'나 '스테이트 오브 플레이', 그리고 '킹덤'에서 보듯 카너핸은 저널리스트적인 통찰이 돋보이는 세계관과 다소 염세적인 부분도 있지만 아무튼 현실 세계의 국제 정세를 영상으로 구현할 수 있는 능력을 보여줬던 작가입니다. (물론 완성도 높은 유머는 누구의 기여일 지 매우 궁금합니다.)
어쨌든 결론은 강추. 요약하면
1. 원작과는 너무나 딴판이다.
2. 좀비 블록버스터 액션을 기대한 사람이라면 큰 실망.
3. 반면 가족 코미디로서는 대단한 수작. 장르 선입견 없는 사람이라면 대만족일듯.
개인적으론 언젠가 용자가 나서서 '월드워Z, 더 리얼 무비' 정도로 새로운 영화를 만들어 주길 기대합니다. 제임스 카메론이나 잭 스나이더면 진짜 인간과 좀비의 세계대전을 실감 넘치게 보여줄 수 있지 않을까 싶습니다만.
P.S. 원작에서 인상적이었던 인물이 영화 속에서 구현된 경우는 위르겐 바름브룬 외에는 모르겠습니다. 주인공 제리 레인이 소설에도 나오는 인물인지는 찾아 보려다 포기했습니다. 혹시 기억나시는 분 있으면 알려주시기 바랍니다.
P.S.2. 이 도표를 봐도 영화 '월드워Z'의 좀비들은 역사상 '가장 날쌘 좀비들'로 보이는군요.^^ (표는 클릭하면 커집니다.)
'맨 오브 스틸(Man of Steel, 강철의 사나이)'은 슈퍼맨의 수많은 별명 중 하나이고, 슈퍼맨을 다룬 수많은 DC코믹스 원작 중 여러 편의 제목이기도 합니다. 사실 탄생 100년을 향해 달려가고 있는 슈퍼맨에 대해 뭔가 이야기를 한다는 건 약간 부담스러운 일입니다. 워낙 많은 텍스트가 워낙 긴 세월에 걸쳐 축적되어 왔기 때문입니다.
어지간한 마니아가 아니고서는 근 80여년에 걸쳐 축적된 슈퍼맨이라는 캐릭터의 온 역사와 변천 과정, 다양한 외전과 작품 사이에 서로 상충되는 설정에 대해 다 알 리가 없을 겁니다(거론되는 텍스트의 양으로 보아 한 학자가 평생을 바쳐 연구해야 할 과제인지도 모르겠다는 생각이 듭니다). 여기에 '저스티스 리그' 처럼 배트맨이나 원더우먼 같은 다른 슈퍼히어로들과 같은 우주에서 만나기 시작하면, 그건 정말 총체적 혼란이 와야 정상일 겁니다.
(그럼에도 불구하고 건재한 코믹스 팬들, 정말 존경합니다.)
아무튼 잭 스나이더와 크리스토퍼 놀런이라는 최강의 조합으로 새롭게 시리즈를 시작하는 '맨 오브 스틸'을 봤습니다.
일단 줄거리.
지구에서 엄청나게 먼 행성 크립톤은 고도로 과학을 발달시킨 문명을 갖고 있었지만 지나친 자만으로 행성의 소멸을 막지 못합니다. 늘 문명의 종말을 경고해왔던 과학자 조엘(러셀 크로)은 갓 태어난 아들을 캡슐에 태워 종족의 미래를 잇게 하려 합니다. 한편 무능한 원로들을 학살하고 정권을 잡은 군인 조드 장군(마이클 섀넌)은 조엘을 죽이지만, 반란 혐의로 체포되어 우주 유형에 처해집니다.
지구에 도착한 어린 슈퍼맨은 미국 캔자스 주 스몰빌(!)에 사는 조나산 켄트(케빈 코스트너)와 마사 켄트(다이언 레인) 부부의 아들로 성장하고, 사춘기가 지나 슈퍼맨으로서의 정체성을 발견합니다. 하지만 북극 기지에서 크립톤의 선조들이 날려 보낸 우주 정찰선을 발견하는 과정에 유능한 기자 조이스 레인(에이미 아담스)의 눈길을 끌게 되고, 결국 레인의 추격을 받게 됩니다.
그러는 사이 족쇄에서 풀려난 조드 장군이 지구에 나타나 '조엘의 아들'을 요구하고 나섭니다. 대체 누가 친구고 누가 적인지 알지 못하는 인류는 혼란에 빠집니다.
우선 맨 처음 경고. '맨 오브 스틸'을 보면서 스토리의 개연성을 따지자는 것은 이 영화를 보지 말자는 것과 같습니다. 배트맨이나 아이언맨 같은 다른 슈퍼히어로들과 비교해도 슈퍼맨의 경우는 특히 심하다고 할 수 있습니다. 설정 자체가 너무 막강하기 때문이죠. 빛보다 빠른 속도로 날 수 있고, 무엇이든 파괴할 수 있고, 다치게 할 수도 없습니다. 왕년에는 크립톤 별에서 나온 광석, 즉 크립톤나이트를 접하면 약해지는 약점이라도 있었지만 '맨 오브 스틸'에서는 그조차도 없어졌습니다. '신과 같은 존재'가 아니라 그냥 신입니다. '토르'같은 히어로는 참 신이라고 불릴 가치도 없을 지경입니다.
그래서 슈퍼맨 이야기는 아무리 정교하게 꾸미려 해도 그냥 동화의 수준에서 벗어날 수가 없습니다. 슈퍼맨이 '아무 이유 없이(혹은 성격상의 문제로)' 자신의 능력을 덜 쓰지 않는 한, 패배가 불가능한 캐릭터이기 때문이죠. 그런 면에서 꽤 정교해질 수 있는 배트맨 이야기와는 달리 슈퍼맨 이야기는 오랜 세월 동안 '이건 원래 그냥 유치한 옛날 이야기에요' 라는 자세를 유지해왔습니다. 오죽하면 슈퍼맨이 성장한 동네 이름은 '작은 동네(smallville)'고 성장한 슈퍼맨이 기자 클락 켄트로 활동하는 대도시는 '대도시(metropolis)'겠습니까.
그런 면에서 슈퍼맨 이야기를 즐기는 가장 좋은 방법은 뇌의 회전을 멈추고, 그냥 영화를 통해 들어오는 정보에 비해 비판하지 않고 어린 시절 옛날 이야기를 듣듯 받아들이는 것 뿐입니다. 그게 최선의 방법입니다.
그럼에도 불구하고 '맨 오브 스틸' 제작진은 최대한 이 이야기가 마치 지성에 근거한 것인 것처럼 보이게 하려는 노력을 그치지 않습니다. 이를테면 도입부에서 크립톤 행성의 의사결정기관이 반란죄로 체포된 조드 일당을 굳이 행성 밖으로 추방하는 데 대해 조드 장군이 "나를 죽일 용기도 없는 놈들!"이라고 욕을 하는 대목 등이 그렇습니다(하지만 사실은 이 '유배형'이야말로 크립톤 행성의 소멸에서 조드 일행이 살아남는 계기가 됩니다. 한마디로 최고의 문명이 발달한 크립톤 행성 사람들은 반란군에게 - 죄 없는 사람들보다 우선해서 - 최대한의 생존권을 보장하는 너무나 인간적인 문명이었던 것이죠).
뭐 이런 대목을 세다 보면 역시 날을 지샐 수 있으니 그냥 덮어 두도록 하겠습니다. 이 영화를 즐기려면 많은 걸 [덮어 둬야] 합니다. 꼭 기억하시기 바랍니다.
마음의 준비가 된 상태에서 본 이 영화는 너무나 신나는 엔터테인먼트의 총체입니다. 며칠 전에 본 '스타트렉:다크니스'의 비주얼이 갖고 있는 장대함에 결코 뒤지지 않습니다. 게다가 슈퍼맨과 조드 일당이 벌이는 액션의 강도는 역대 최강급이라고 할 수 있습니다. 평소 쌓인게 많은 현대인에게 꼭 필요한 카타르시스를 제공합니다. (절대 비아냥 아닙니다. 정말 신납니다)
아무튼 보다 보면 이 영화의 슈퍼맨은 두 다른 맥락의 영웅을 생각나게 합니다.
하나는 '맘만 먹으면 지구를 파괴할 수도 있는 선과 악의 두 존재가 지구를 무대로 싸우는 이야기'입니다. 바로 드래곤 볼 시리즈죠. 슈퍼맨과 조드가 싸우기에는 지구라는 무대, 특히 뉴욕 메트로폴리스 같은 대도시는 매우 취약한 공간입니다. 그래서 이들의 싸움에 허망하게 부서져가는 고층건물과 차량 및 시설물들이 참 안쓰러울 뿐입니다. 싸우려면 좀 사막 같은 데 가서 싸우든가...하는 생각이 절로 납니다.
드래곤 볼 시리즈의 손오공 역시 외계에서 온 인류의 구원자. 신과 죽음을 초월한 능력자. 자손 대대로 이어진 히어로 계보와 팬덤의 확장 등을 보면 무척 비슷하다는 점을 부인하기 힘듭니다.^
또 하나는 바이블 스토리. 슈퍼맨을 예수에 대입시키는 해석이나 시도는 결코 새롭지 않습니다. 심지어 '슈퍼맨 리턴즈'에서는 '부활'이란 설정까지 등장해 수많은 관객들에게 떡밥을 던졌죠. 그런데 '맨 오브 스틸'에선 또 다른 식으로 이런 해석을 밀어붙입니다. 물론 의도적인 것으로 보입니다.
이런 의도가 가장 두드러지게 나타나는 부분은 외계 세균의 존재 어쩌고 하는 헛소리를 늘어놓는 스와닉 장군에게 "33세까지 아무도 감염시킨 적이 없다"며 은근히 나이를 공개하는 대목입니다. 33세는 예수가 십자가에 매달린 나이죠. (슈퍼맨의 나이가 33세라는 것이 슈퍼맨 일대기의 공식 설정은 아닌 것으로 알고 있는데, 혹시 다른 의견 있는 분이 계시면 말씀해 주시면 좋겠습니다.)
사실 예수와 슈퍼맨(특히 영화 '맨 오브 스틸'의 슈퍼맨)은 많은 성장기의 공통점을 갖고 있습니다. ▲친아버지를 모르는 채 양아버지에 의해 양육됐고 ▲정체성 때문에 고민했고 ▲인류와는 엄청난 능력 차이를 가졌고 ▲기적을 일으켰으며(광신도 엄마가 "Act of God"이라며 흥분하는 장면도 나옵니다) ▲왜 친아버지가 자신을 인류에게 보냈는지 알 수 없어 괴로워하며 ▲공권력에 의해 부당하게 구금되기도 하지만 ▲언제든 인류를 위해 자신을 희생할 각오가 되어 있는 존재입니다.
이런 슈퍼맨을 의심하고, 괴물 취급하고, 욕하는 인간들은 빌라도 앞에서 그를 십자가에 못박으라고 소리친 유태인들과 별로 다를 게 없는 존재들인 셈이죠. 그런 의미에서 '맨 오브 스틸'의 많은 장면은 '21세기에 예수라는 존재가 인류 앞에 나타났다면' 이라는 상황을 상상하게 합니다.
(한편으론 '너무나 신에 가까운' 슈퍼맨이란 캐릭터 자체가 반 기독교적으로 느껴지는 면이 있습니다. 슈퍼맨도 기독교에서 말하는 신의 피조물일까요? 그도 구원받을 영혼을 갖고 있는 존재일까요? 이런 이유로 '맨 오브 스틸' 중간에 삽입된 슈퍼맨과 신부의 대화는 묘하게 코믹하게 느껴집니다.)
영화가 '슈퍼맨'이다 보니 할리우드의 톱스타들이 지나가는 청소부 역까지 맡을 정도로 화려한 캐스팅이 눈길을 끕니다. 이런 배우들이 몇마디 안 되는 대사로 슥슥 지나가는게 아쉬울 지경입니다.
뭐 가장 중요한 슈퍼맨 역의 헨리 캐빌은 기대 이상입니다. 당초 '전형적인 각진 턱 미남'이 아니라는 점에서 살짝 우려가 있었지만 연기력으로 충분히 커버되는 수준입니다. (뭐 한때 니콜라스 케이지도 거론된 적 있었던 슈퍼맨 역할이고 보면...^)
헨리 캐빌이 얼굴만 지나치게 잘 생긴 브랜든 라우스에 비해 좋은 캐스팅이라는 것은 누구도 부정할 수 없겠지만, 그래도 조금 더 2:8 가르마가 잘 어울리는 얼굴이었으면 더 좋았을 것 같다는 아쉬움이 있습니다.
아무래도 왕년의 그분, 크리스토퍼 리브야말로 진정한 역대 최강의 슈퍼 페이스가 아니었나 하는 생각입니다. 지금은 철거된 국제극장을 몇바퀴 감았던 살인적인 매표 라인을 뚫고 이 영화를 보러 간 추억이 새록새록 살아납니다.
(이렇게 세 사진을 놓고 보니 슈퍼맨 수트의 색깔 변화가 더 확연합니다.)
자, 이제 정리 들어갑니다.
'맨 오브 스틸'은 '슈퍼맨 리턴즈'로 인해 위축됐던 무비 스타 슈퍼맨의 위치를 다시 세우는 데 더 없이 훌륭한 성취를 보여줬습니다.
주요 스태프들이 워너 브라더스와 3편으로 계약을 했다니 당연히 후속작이 나오겠지만(일부 보도에 따르면 다음 한 편은 그냥 속편, 그리고 3편째는 저스티스 리그-배트맨 같은 다른 슈퍼히어로들과 함께 활약하는-에 대한 내용일 것이라고 합니다), 1편에서 워낙 기대 강도를 높여 놓은 터라 대체 2편째에는 어떤 악당이 슈퍼맨과 대결을 펼칠 지 상상이 되질 않습니다. 이래갖고는 어디 렉스 루더가 나올 수 있겠습니까.^^
어쨌든 결론적으로 기대 이상의 만족감을 주는 엔터테인먼트 대작. 개인적인 취향으론 '스타트렉: 다크니스'가 더 다음에 들지만, 이 정도면 그리 실망하실 분은 없을 듯 합니다. 강추.
P.S.음악은 '누가 들어도 한스 짐머'였는데, 슈퍼맨과 조드 일행(정확하게는 페이오라)이 처음 대면하는 장면의 음악은 '누가 들어도 영웅본색' 이더군요. 기억 안 나시는 분들은 이 동영상의 6분45초쯤부터 나오는 음악을 들어 보시기 바랍니다.
